The Atlántica Colectivas FN15 section is composed by the following participants:

AUTOR/ES	PROYECTO
Agata Serafin	Seven
Aimo Hyvärinen	VÍDEO: The Bench
Alejandro Castañeda	Memoria no acordada
Alfredo Betancor del Rosario	Hecho de mar
Alicia Martín	VÍDEO: TRAMA Y URDIMBRE
Ana de Orbegoso	VÍDEO: La Última Princesa Inca
Ana Nieto	#IFYOUCANNOTMAKEITFAKEIT
Andrés Efe. García Cuesta	Pasado y presente; África Norte
Ankor Ramos	Varanasi
Anne Sophie Costenoble	Late summer
Antonio Mas González	Lost in the museum
Ardiel J. González	El Hierro. La isla mágica
Attilio Fiumarella	The Swimmers
Bela Limenes Rosenfeld	Enciclopedia de la mujer
Belén Cerezo	VÍDEO: ¿Cómo abrir los ojos?
Carla Degenhardt	Velo
Carlos Collado	Tangibles
Carlos Savoie	Naturalezas Muertas
Carmen Dolores León Díaz	A través del cristal
Carmen Visuerte Morales	Muslimes
Catarina Diedrich	Once árboles
Chema Hernández	Saxum Fluctuo
Christian Vilar	Cosplay Project
Christophoros Doulgeris	The Schools Project
Claudia Jares	VÍDEO: La pasión y la locura
Colectivo Unlimited	AQUAM VITAE
Cynthia Estébanez	Explorando
Damián Borges	CAUTIVAS
Daniel de la Guardia Sánchez	Sin título
Diambra Mariani y Francesco Mion	Recycled Villages
Didier Bizet	Chapters
Dorian François	Paths
Edgar de Felipe	Decas-Retrato
El viajero del Faro	SIN RUMBO project: Ámsterdam, primera parada
Elena Machado	VÍDEO: RADIANT DARKNESS
Elpida Katsika	Une promenade dans la banlieue
Émili Bermúdez	La luz, nido de la palabra
Enrique Arnaiz Ibarrondo	Ksamil
Eriz Moreno Aranguren	Untitled (BERLÍN)
Escuela Artística de Fotografía de Los Realejos	Fotografía para llevar
Estefanía Martínez Bruna	IMÁGENES SUSPENDIDAS
Fernando Maselli	Infinito Artificial
Fernando Sendra	Broken
Fran Orallo	Autorretrato N1
Francisco José Macías González	Segunda Residencia
Gara García Sánchez	LAS 7 EMOCIONES de niña
Giuseppe Satriani	Ikebana
Gonzalo Ruiz Ortega	Sitios y almas
Goretty Gutiérrez Correa	Up
Guillermo Fariña Ruiz	La Luna sobre Epupa
Gwen Walstrand	Irrealis
H. H. Capor	The Sound of Music
Hamid Raffi Tabatabai	Con El Paisaje en la Retina
Hanna Jarzabek	VÍDEO: Flores de otoño
Héctor Socorro	Histoires du Marché
Imanol Marrodán	Frozen trees
Isa Sanz	BUSCADORES
Isabel M. Martínez	VÍDEO: TIEMPO
Janelle Lynch	The Llobregat
Jason Langer	Twenty years
Javier Manrique	Valientes
Jennifer Loeber	Gyrle
Jesús Duque Cranny	A State of Mind
Jiri Turek	Victims
Joan Alvado	Escuela de Pastores
Joaquín Artime	inventario
Jorge Bonet	¿Nunca has tenido un Déjà vu?
Jorge Fabián Castillo	Ausencias
Jorge Luis Santos García	Las Diosas Encarnadas
Jorge Pérez Higuera	The Other Side
José Luis López Monzón	DERROTEROS
Jose Tándem	La verdad desnuda
Josefran Santana	NIDO. La permanencia de las cosas
Juan González Fornés	Portraits of mobility / Retratos de la movilidad
Julian Salinas	Nocturnal view
Julio A. Carreño Guillén	Espacio abierto El espacio como experiencia de la espacialidad
Julio M. Romero	PLAYAS
Katia Repina y Luca Aimi	I don’t need to know you
Kristina Pérez	VERTICAL CITY
Laurent Lafolie	Y
Leonardo Oliveros	Sin título 2
Lina Manousogiannaki	Sweet Sixty
Llorenç Ugas Dubreuil	Between the line
Luna Bengoechea Peña	VÍDEO: A cuánto está la libra
Lute Déniz	SIGO
Luz Marina Déniz	Estados de densidad
Mahdyar-Jamshidi	Trace Of The Lost Moment
Maite González Laurens	Ejes y coordenadas
Manuel Lama	ArteSpacio
Mar Garrido	VÍDEO: PRESENTE CONTINUO: INSTANTES SIN TIEMPO
Marco A. Toledo	Domicilio de experiencias
Marcos Ravelo Fernández	Aurisilva
María Pérez Quintero	No Redes
Mariah Curbelo	VÍDEO: Pandora: La Renovación del Juego
Marisa Culatto	Still life-SWEDE
Marta Moreiras	CROP CIRCLES
Marta von Poroszlay	Una Jornada en Londres
Martin Zellerhoff	Ran ans Motiv
Massimiliano Maddalena	The Double Identity of the Corner
Matteo Rebuffa	DESTERRADOS CONTEMPORÁNEOS
Mauricio Pérez Jiménez	A través del paisaje
Michael Michlmayr	KONTINUUM 2 Photo
Miguel Ángel Roldán	Sólo es
Miguel David	P N T
Mimí Mitsou	In the dark places
Miyuki Okuyama	The land of the setting sun
Monica Bellonzi	Hasta que dura el calor
Monika Ruiz-B	À la manière de Bacon
Monique Hoffman	In the Presence of Absence
Olga Ingurazova	Scars of independence
Orlando Arocha Henríquez	Una torsión de la realidad
Osvaldo Hopfer	VÍDEO: Sobre una isla mediterránea
Pablo Gimenez Zapiola	Inner Atmospheres
Paco Valverde	VÍDEO: Traducciones/Translations
Pamela Zeferino	Borrar la ciudad
Panki Rodríguez	VÍDEO: Gammvolvon pa botten av Falkträsket
Paola Rivero	para él, ser humano, tiene que ejercer una gran tragedia
Patrizio Maiavacca	Procession of hawkers
Pedro Sanfiel Cervós	Colores de lluvia
Rama Tiru	Japan At Street Level
Ramón del Pino de León	Amura
Raquel López-Chicheri	Vocación privada
Robert Harding Pittman	The Bubble
Rosa Rodríguez Sánchez	Moscow White Dreams
Rubén Plasencia	Lucha Canaria
Ruth Pérez Ruiz	VÍDEO: Sobre identidad…
Salvador Aznar	Viaje, antropología y turismo
Sebastián Almazán	VÍDEO: Personal Landscapes
SEIGAR	El Lenguaje Figurado de Figueras, reinterpretando a Dalí
Sergio Acosta	Vacíos del agua
Silvia Prió	B 612
Simon Norfolk	VÍDEO: When I Am Laid In Earth
soJin Chun	VÍDEO: Industrious Dreams of a Forgotten Past
Stanislav Shmelev	Objects Found on the Beach
Tahir Ün	Xinjiang: Re-Construction
Tarek Ode	VÍDEO: LA ZONA
Tina Sejbjerg	Attempt to construct a tree
Uve Navarro	Yo soy mi propia trampa
Varvara Shavrova	Miniature Suicides
Víctor Guntín	Tributo a Katmandú
Viviana Adonaylo Patri Cámpora	El día que las mujeres entraron en las bodegas
Wilfredo Simón Sosa	De Vietnam a Camboya: Pasajes
Xabier Vila–Coia	Los Miedos
Xisco Bonnín	PHOTO DATA CORRUPTION
Zhana Yordanova	Memoria del silencio

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Christine Mathieu

In my workshop, there are some anthological books about the relationship between humankind and mask design. It opens a world of silence and spirituality, which I use as a ground for thoughts and inspirations.

Since 2011 the use of materials such as wool, felt, ribbons, threads, strings and ground have allowed me to develop, perfect and collect almost sixty photographed masks.

Between puppet and human figure, photography and craft, those scenes attempt to outline the “figure” of the soul.

A symbolic quest for my share of silence. A personal need to get away from the superficial routine, to rise up against the overuse of the body shape in art.

My focus is on simplicity, to create a figure as primal as possible. Shaped as a ritual, my working process begins by gathering random materials and ends by photographing the created “figures”. In between, the evolu­tion is visible though the chronological use of materials. Each choice triggers a new cycle of atmospheres.

Designed as a small ritual, it begins by creating the ‘thing’ to photograph. Materials are deliberately chosen to be simple and well known. It finishes with the photograph and followed by digital editing.

Those successive stages allow me to create my photographed sculptures, half real, half fiction.

The manual work (embroidery, knitting, needle work, couture, beads) in each work takes a long time. The simplicity of those familiar and ancestral techniques links me to decades of modest craftsman.

Photography and digital creation complete the final object and also give a «magical» dimension of the unreal.

Cristina Fontsaré

Cristina Fontsaré’s work is closer to fantasy than to documentary. Here the footsteps of a present reality and those of a desire that has long been announced are brought together. The real and the imaginary live together in harmony among the shadows, from which disquieting presences emanate whether in a petrol station, by the side of the road, on a well-lit roundabout or facing a solitary building.

By causing that happy encounter between the experienced and the imagined, the artist intuitively introduces a characteristic element of her work: a narrative which proposes inconclusive visual tales rather than the usual mere snapshots. For this purpose, she adds sensations which do not belong to the real world but to the poetic transubstantiation that she carries out when she photographs those landscapes.

Her nocturnal «non-places» work as «spaces of temporary occupation» which refer us back to both the finding and the loss. The luminous halo which bathes these night-time scenes invokes the longings of the characters that live in them. But, when the landscape takes on the absolute leadership, it is the off-camera voice of the artist which makes itself heard over the territory. For that reason, many of the titles of her works take us back to a certain emotional state which transcends the landscape itself. The image arises here in an activating mechanism of affection, worries and desires. We might speak in reality of post-romantic landscapes. Because, rather than about abrupt nature, the emotions are thrown into architectures and geometrical constructions which destroy the experience of the wild landscape. The artist invariably photographs territories in which these artificial structures, without any aesthetic intention, make their way among the night-time shadows. We thus find advertising placards becoming light sculptures, petrol stations or roundabouts without any function, like luminous islands, of soulless territories.

Subjected to an effective geometrical economy, these places fight for space with nearby nature. They are at one and the same time spaces of light isolated and integrated in the middle of nowhere.

The nocturnal nature is thus a backdrop, a secondary element which frames and takes in the spectacle of desolation. The leading characters wander on the fringes of light and darkness. Their appearances occur in landscapes without identity, in residential areas on the edges of towns which vainly exhibit their false promises of freedom. But it is there, in the middle of this degraded landscape, that the artist carries out the simulation of the much-desired reunion while waiting for somebody to rescue her from an endless night.

José Gómez Isla

]]> https://archivo.fotonoviembre.org/2013/10/25/1491/ Fri, 25 Oct 2013 11:17:33 +0000 http://fotonoviembre.org/?p=1491 23]
From November 8th de Noviembre to December 14th  2013
Ermita de San Miguel, Plaza del Adelantado La Laguna
Tel: 922 601 165/150 Horario: L-V de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 20:00 h. S de 11:00 a 14:00 h

 Sarah Carp

Glendarragh, the Glen of the Oaks. It is there, 30 km south of Dublin, where I went in search of my roots. My grandmother, who died in 1999, was Irish and had lived there for a few years before emigrating to Switzerland. I owed her my passion for art, and it was quite naturally through photography that I would immerse myself in her story.

The images, produced through several journeys, are about absence and memory. I took photographs during the winter period so the colours and atmosphere would chime with contemplation and self-reflection. This intimate contemplation of my immediate surroundings offers a subjective and emotional journey in a world fated to disappear. This movement back to the land explores the mutations of a life that transforms and renews itself in full simple slowness.

In this rural Ireland, life’s rhythm depends on the temper of the elements. The characters, who seem straight out of a tale, are members of my family or people living in Glendarragh. The places are inhabited by strange objects. Interiors and landscapes all tell the memories of the place. The surrounding nature, savage and mystical, seems to hold life’s secrets.

These images were realised between 2003 and2012. The project’s meaning and coherence emerged through time. The images are set in relation subjectively, so as to offer a form of narration that allows each spectator to make up her own story. My own narration, just as our constantly transforming memory, is continuously composed and recomposed. A subjective puzzle of colours, of sensations and of emotions.

This exhibition was sponsored by the Musée de l’Elysée, Lausanne (Switzerland).

Simona Rota

Ost [ˈɔst], German, noun                    east
Algos [álɡos], ancient Greek, noun        pain

Ostalgia is a series of photographs which I developed in the course of over two years and which arose from a work of documentation for the Architectural Museum in Vienna: under the name of  Soviet Modernism, a team from the Museum made itself responsible for locating, rescuing and studying the files related with the architecture promoted by the old Soviet Union in its fifteen republics between the 1960s and 1990s. The series is a kind of subjective catalogue of monumental buildings which seem to bear witness to the heroic intentions of the past but which reach the present distilling a certain eroded optimism and disillusion. Built to be icons of triumph and progress, they were the accomplices of the political propaganda within the legitimating dynamics of a totalitarian regime: the Socialist Pioneers Cultural Centres, the Workers’ Palaces, the Palaces of Lenin, circuses, sports centres, museums and mausoleums. All of them respond to a formal and programmatic modernity and all of them had to tell a story of triumph; today they stand out like absurd giants, great dreams invalidated by history immersed in the decadent atmosphere which is everywhere in the ex-Soviet republics and which generates a physical and virtual space onto which it is easy to project myths and nostalgia. On the other hand, the enormous dimensions of these buildings in relation to the human scale mark the position of the individual, his merely decorative role, within an authoritarian society in a significant manner. In Soviet squares, individuals come and go in a furtive way; small and squashed, they do not stop to talk, to debate, to call things into question.

Ostalgia (the “pain of the east”, if the word must be literally translated) began in 1989, after the fall of the Berlin Wall. If it had existed earlier, it would not have been given a name until the moment at which the old German Democratic Republic (DDR, from its German abbreviation) – which was then facing the rapid changes necessary for integration with the western half of Germany — began to feel nostalgia for its old identity in the process of liquidation. This desire, together with a certain sentimentalism in the West towards the East, ended up creating a new mythology on the old DDR and, by extension, on the old Soviet block. Ostalgia is a linguistic alloy that is as strange as the desire itself to reconstruct something which might never have existed.

Officer Tuba Meets Happy Ghost

SoJin Chun combines characters appropriated from two Hong Kong films and digitally rotoscopes them into contemporary Super 8 mm film footage shot in Korean neighbourhoods, in Sao Paulo, Brazil, and Toronto, Canada. Pulled from their Hong Kong settings, these characters are recast as Koreans, playing with western perceptions and stereotypes of Asian identity. The ruptures and continuity of culture within diasporic communities frame these figures displaced in time, space, language, and culture.

The principal characters in this new film are the titular Officer Tuba of Where’s Officer Tuba (1986) and an actress taken from Happy Ghost 3(1986).  Although they still never meet, Chun casts these two figures as potentially star-crossed lovers searching for each other at the same moment in cities thousands of miles apart.  Through a labour intensive process, Chun has removed these figures from their original time and space to engage with the present and the Asian diaspora in the Americas.

Officer Tuba Meets the Happy Ghost presents viewers with an alternate method for engaging in representation and time through the construction of a cinema within the gallery.  The displacement of characters from the contexts and times of the original films allow the artist to rupture the seamless flow of cinematic narrative creating a new space from the incomplete film reels.  Chun extends this new narrative by maintaining the space for the cinema, complete with single screen, seating and movie poster outside the entrance.  This creation of a black box within the white cube asserts a collective experience and cinematic form that allows the source to speak within its formal language while narrative communication is ruptured.

Eric Nehr

El género del retrato permite comprender el arco que va desde levantar acta fotográfica de un documento social a devenir un agente político, una imagen convertida en cuerpo, o que es capaz de remitir físicamente al cuerpo del espectador, a través de la confrontación con toda suerte de alteridades o de resistencias. La etimología de la palabra “retrato” se remonta al latín “portrahere”, que significaba exponer o revelar. En todas las definiciones de retrato que dan los diccionarios habituales, además de a la finalidad primera de representar el parecido con la persona retratada, también se refiere a que está enmarcado o dispuesto de un modo tal que su finalidad material es ontológicamente pública, indisociable de su exposición.

Lo que esta exposición pretende contar es cómo el retrato condensa la historia de la fotografía: la evolución del medio, pero también las posibilidades de introspección psicológica de cada tiempo; de sus usos sociales, pero también del modo en que la fotografía influye en la realidad para poco a poco convertirla, de antemano, en una experiencia por la imagen.

Por último, y no menos clave, el retrato es el archivo de la memoria, la posibilidad más perentoria de salvaguardar la existencia. Es el género primordial a la hora de satisfacer paulatinamente las ansias de representación en los flujos informativos e históricos de la humanidad contemporánea. El retrato es entonces un marco de legibilidad o un vector de significación sobre múltiples formas de analizar el mundo contemporáneo. Pero su naturaleza en sí es la que plantea esa relación cruzada elemental: una fotografía de retrato es un nexo entre alguien que mira su resultado, aquel que fotografió y la mirada –o su negación esquiva, escamoteada del objeto retratado. Las fotografías de ciudadanía son un manifiesto no unívoco, abierto precisamente a su negociación entre los miembros de la ciudadanía misma que, por definición, participan desde su contemplación y análisis de su proceso de creación: tienen una responsabilidad fundamental, al cruzarse con ellas, como si hubiesen apoyado los dedos del fotógrafo sobre el botón del obturador en cada toma.

Manuel Segade

Eric Nehr

El género del retrato permite comprender el arco que va desde levantar acta fotográfica de un documento social a devenir un agente político, una imagen convertida en cuerpo, o que es capaz de remitir físicamente al cuerpo del espectador, a través de la confrontación con toda suerte de alteridades o de resistencias. La etimología de la palabra “retrato” se remonta al latín “portrahere”, que significaba exponer o revelar. En todas las definiciones de retrato que dan los diccionarios habituales, además de a la finalidad primera de representar el parecido con la persona retratada, también se refiere a que está enmarcado o dispuesto de un modo tal que su finalidad material es ontológicamente pública, indisociable de su exposición.

Lo que esta exposición pretende contar es cómo el retrato condensa la historia de la fotografía: la evolución del medio, pero también las posibilidades de introspección psicológica de cada tiempo; de sus usos sociales, pero también del modo en que la fotografía influye en la realidad para poco a poco convertirla, de antemano, en una experiencia por la imagen.

Por último, y no menos clave, el retrato es el archivo de la memoria, la posibilidad más perentoria de salvaguardar la existencia. Es el género primordial a la hora de satisfacer paulatinamente las ansias de representación en los flujos informativos e históricos de la humanidad contemporánea. El retrato es entonces un marco de legibilidad o un vector de significación sobre múltiples formas de analizar el mundo contemporáneo. Pero su naturaleza en sí es la que plantea esa relación cruzada elemental: una fotografía de retrato es un nexo entre alguien que mira su resultado, aquel que fotografió y la mirada –o su negación esquiva, escamoteada del objeto retratado. Las fotografías de ciudadanía son un manifiesto no unívoco, abierto precisamente a su negociación entre los miembros de la ciudadanía misma que, por definición, participan desde su contemplación y análisis de su proceso de creación: tienen una responsabilidad fundamental, al cruzarse con ellas, como si hubiesen apoyado los dedos del fotógrafo sobre el botón del obturador en cada toma.

Manuel Segade

Alécio de Andrade

«Las fotografías de Alécio de Andrade son testimonio de casi cuarent años de la vida del Museo de Louvre, desde los copistas que todavía acuden a plantar sus caballetes hasta las familias extenuadas o las religiosas inmóviles ante la representación de las tres Gracias en toda su desnudez. Tienen la particularidad de presentar simultáneamente a los visitantes y a las obras en su contexto museístico, y el intercambio que se establece entre la obra y sus espectadores. Con humor y poesía, pero también con la precisión de un etnólogo, el fotógrafo fijó la variedad de las generaciones, de las actitudes, de los gestos, de las indumentarias, y reveló un sorprendente abandono de los cuerpos, una libertad.»

Edgar Morin

Fotógrafo y poeta, pianista y amigo de escritores y músicos de todo el mundo, Alécio de Andrade (1938-2003), brasileño residente en París, recorrió durante casi cuatro décadas las salas del museo del Louvre, a partir de 1964. Sus visitas nos han dejado 12.000 fotografías. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte. Sin procurar la cronología ni presentar un panorama de las transformaciones acaecidas en el museo a través de los años, la exposición de ciento once fotografías y el libro que la acompaña imaginan las diferentes etapas de una visita a la manera de un guión cinematográfico.

Alécio de Andrade

«Las fotografías de Alécio de Andrade son testimonio de casi cuarent años de la vida del Museo de Louvre, desde los copistas que todavía acuden a plantar sus caballetes hasta las familias extenuadas o las religiosas inmóviles ante la representación de las tres Gracias en toda su desnudez. Tienen la particularidad de presentar simultáneamente a los visitantes y a las obras en su contexto museístico, y el intercambio que se establece entre la obra y sus espectadores. Con humor y poesía, pero también con la precisión de un etnólogo, el fotógrafo fijó la variedad de las generaciones, de las actitudes, de los gestos, de las indumentarias, y reveló un sorprendente abandono de los cuerpos, una libertad.»

Edgar Morin

Fotógrafo y poeta, pianista y amigo de escritores y músicos de todo el mundo, Alécio de Andrade (1938-2003), brasileño residente en París, recorrió durante casi cuatro décadas las salas del museo del Louvre, a partir de 1964. Sus visitas nos han dejado 12.000 fotografías. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte. Sin procurar la cronología ni presentar un panorama de las transformaciones acaecidas en el museo a través de los años, la exposición de ciento once fotografías y el libro que la acompaña imaginan las diferentes etapas de una visita a la manera de un guión cinematográfico.