Eric Nehr

El género del retrato permite comprender el arco que va desde levantar acta fotográfica de un documento social a devenir un agente político, una imagen convertida en cuerpo, o que es capaz de remitir físicamente al cuerpo del espectador, a través de la confrontación con toda suerte de alteridades o de resistencias. La etimología de la palabra “retrato” se remonta al latín “portrahere”, que significaba exponer o revelar. En todas las definiciones de retrato que dan los diccionarios habituales, además de a la finalidad primera de representar el parecido con la persona retratada, también se refiere a que está enmarcado o dispuesto de un modo tal que su finalidad material es ontológicamente pública, indisociable de su exposición.

Lo que esta exposición pretende contar es cómo el retrato condensa la historia de la fotografía: la evolución del medio, pero también las posibilidades de introspección psicológica de cada tiempo; de sus usos sociales, pero también del modo en que la fotografía influye en la realidad para poco a poco convertirla, de antemano, en una experiencia por la imagen.

Por último, y no menos clave, el retrato es el archivo de la memoria, la posibilidad más perentoria de salvaguardar la existencia. Es el género primordial a la hora de satisfacer paulatinamente las ansias de representación en los flujos informativos e históricos de la humanidad contemporánea. El retrato es entonces un marco de legibilidad o un vector de significación sobre múltiples formas de analizar el mundo contemporáneo. Pero su naturaleza en sí es la que plantea esa relación cruzada elemental: una fotografía de retrato es un nexo entre alguien que mira su resultado, aquel que fotografió y la mirada –o su negación esquiva, escamoteada del objeto retratado. Las fotografías de ciudadanía son un manifiesto no unívoco, abierto precisamente a su negociación entre los miembros de la ciudadanía misma que, por definición, participan desde su contemplación y análisis de su proceso de creación: tienen una responsabilidad fundamental, al cruzarse con ellas, como si hubiesen apoyado los dedos del fotógrafo sobre el botón del obturador en cada toma.

Manuel Segade

Alécio de Andrade

«Las fotografías de Alécio de Andrade son testimonio de casi cuarent años de la vida del Museo de Louvre, desde los copistas que todavía acuden a plantar sus caballetes hasta las familias extenuadas o las religiosas inmóviles ante la representación de las tres Gracias en toda su desnudez. Tienen la particularidad de presentar simultáneamente a los visitantes y a las obras en su contexto museístico, y el intercambio que se establece entre la obra y sus espectadores. Con humor y poesía, pero también con la precisión de un etnólogo, el fotógrafo fijó la variedad de las generaciones, de las actitudes, de los gestos, de las indumentarias, y reveló un sorprendente abandono de los cuerpos, una libertad.»

Edgar Morin

Fotógrafo y poeta, pianista y amigo de escritores y músicos de todo el mundo, Alécio de Andrade (1938-2003), brasileño residente en París, recorrió durante casi cuatro décadas las salas del museo del Louvre, a partir de 1964. Sus visitas nos han dejado 12.000 fotografías. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte. Sin procurar la cronología ni presentar un panorama de las transformaciones acaecidas en el museo a través de los años, la exposición de ciento once fotografías y el libro que la acompaña imaginan las diferentes etapas de una visita a la manera de un guión cinematográfico.

Leopoldo Cebrián

«Se podría comparar el arte de la fotografía con el acto de señalar».

John Szarkowski

Desde mediados del siglo XIX se tomó consciencia de coleccionar y preservar fotografías como un registro visual para la posteridad por su incuestionable capacidad para la descripción de gentes, lugares y cosas, lo que  ha hecho de ésta una fuente importantísima que nos abre los ojos a la observación de la diversidad cultural del mundo, y nos sirve tanto para entender el pasado como para tratar de explicar el presente.

Y así, debido a su impacto emocional y a su capacidad expresiva, a partir los años 50 del siglo pasado se revitalizan de forma inequívoca múltiples visiones sobre la idea de Colección, proliferando entonces, la creación de secciones especializadas en distintos museos, universidades, archivos y centros específicos que incorporan entre sus objetivos el de impulsar la creación fotográfica con vertientes novedosas y de enorme potencial.

La colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife tiene sus inicios en 1989, y  cuenta en la actualidad con unos fondos que están  constituidos por numerosas obras originales que abarcan un amplio espectro de géneros, movimientos artísticos, soportes y procedimientos técnicos utilizados en los siglos XIX, XX y XXI.

Bajo el título de Asimetrías hemos querido estructurar la presente muestra, en la que  ofrecemos una breve selección de estos importantes fondos fotográficos. Se trata de una primera entrega o de un primer itinerario a través de los pasos de una Colección aún abierta y en marcha, que a manera de índice pretende mostrar las distintas corrientes y tendencias en el panorama de la creación local e internacional. En esta primera entrega de la Colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife confluyen  diversas  visiones y escenarios, desde la geografía al retrato; desde el  relato y las relaciones sociales al documento, desde los lenguajes del cuerpo a la ficción o la ensoñación. Y es que, a fin de cuentas, todo, o casi todo, cabe en el reducido espacio  de una fotografía.

El proyecto Donde habita el recuerdo habla de los miles de asesinados en la zona sublevada tras el golpe de estado del 18 de julio de 1936, que fueron víctimas de una represión cruel y sistemática y que fueron enterrados en fosas comunes a lo largo de todo el país, ocultas por un pesado manto de silencio y olvido. La muestra aborda las labores de recuperación de los restos y de la memoria de esos miles de asesinados tanto durante el golpe de estado como durante la posterior guerra civil y los años de régimen franquista, a través de las exhumaciones realizadas con rigurosas técnicas de arqueología forense que garantizan la seriedad, el respeto y la trascendencia de los trabajos.

La exposición, un ensayo documental sobre los trabajos de localización, identificación y exhumación de fosas de la guerra civil española, se compone de cuatro proyecciones, tres son de fotografías tomadas en exhumaciones de fosas comunes realizadas por Aranzadi y en otra proyección se han seleccionado más de 700 imágenes de archivo. En palabras de su autor “Esta es una historia que habla de sufrimiento, de olvido, de horror, de silencio, de miedo, de odio y de muerte. Pero sobre todo es una historia llena de amor. Del amor de quienes decidieron no olvidar, llorar y luchar sin descanso por la memoria de todos aquellos a los que les fueron arrebatadas impunemente sus vidas. Sus sueños”.

Regina Fiz 

Portraits in an old World es un viaje construido a través de la biografía de género de Regina, es un viaje documentado en fotografías de gran formato que recoge hechos históricos y cuestiones artísticas de la vida ficticia y de la vida real de Regina.

Portraits in an old World es una especie de paisaje artificial, lleno de símbolos destacados de la tradición, su belleza nunca será natural. Es una acción detenida en la historia de cada país, de cada continente en el que se materializa. Es una historia fuera de la historia, con el calor del cuerpo y la fuerza del rito. Es un ritual de tradición y cuerpo. Es el cuerpo, la fuerza de los cuerpos enfrentados al ser humano.

Portraits in an old World es un trabajo sobre la fragilidad del cuerpo,  sobre el ritual y la tradición, la frontera que nos diferencia. Será también un trabajo de clandestinidad en alguno de los países y continentes donde se lleve a cabo. Para cada una de las fotografías, Regina invitará a un fotógrafo del país a capturar la imagen, esto nos permitirá tener diferentes miradas sobre una misma acción.

Portraits in an old World recrea el universo imaginario de Regina frente a lo masculino, al cuerpo del hombre. El universo de Regina nos tiene acostumbrados a la desprotección del hombre, nos enfrenta  al silencio, a la intimidad, a la soledad… finalmente cada fotografía se presenta como un ritual despojado, limpio e interiorizado.

Portraits in an old World superpone al plano del cuerpo el plano del poder, que viene dado por el paisaje urbano o natural que acoge cada retrato, es el plano de la fuerza, en el que nos apoyamos para afirmarnos, vernos con poder, vernos grandes y diferentes. Es por esto por lo que Regina trabaja fuera del estudio, en el espacio público, remarcando los márgenes que definen cada ciudad y nos permiten identificar fácilmente el país y el continente. Portraits in an old World es un grito.

Alexis W

El trabajo de Alexis W se centra fundamentalmente en el uso de la fotografía como soporte y medio discursivo, a partir del cual investiga la realidad que le rodea: sus complejidades, paradojas y también sus virtudes. En este sentido parte de su producción visual gira en torno al universo de la identidad y la sexualidad, entendida esta última como construcción cultural sujeta a grupo de normativas y de premisas sociales que articulan las múltiples nociones del deseo.

Su trabajo, en tanto fotógrafo de una realidad que en modo alguno le es ajena, busca advertir las contradicciones y las complejidades del ser humano inscrito en un ámbito social y cultural que es complejo en sí mismo. De tal suerte sus proyectos viajan en varias direcciones en lo tocante a la representación: desde el fisgoneo en la intimidad del ámbito privado (con todas sus prácticas cotidianas) hasta las complejidades del retrato en tanto género que permite una indagación y desmontaje de la identidad en términos no solo humanos, sino culturales.

El desnudo en su directa relación con el paisaje, los órdenes menos ortodoxos de la sexualidad y el deseo, la contestación de libertad ante toda intención restrictiva del poder, son algunos ejes conceptuales sobre los que se articula su obra. Su proyecto “La ventana indiscreta” es, visto de este modo, el proyecto rector que organiza las líneas discursivas de su trabajo.

Este proyecto plantea un  viaje desde los primeros trabajos en los que el territorio del cuerpo es el protagonista absoluto, un cuerpo dibujado en la naturaleza, deshumanizado , hasta  los últimos en los que el retrato es una obsesión. Una reflexión sobre como el tiempo  y la experiencia cambia la manera de mirar y de ver , pero no así el  área de interés .

39]
Del 16 de Noviembre de 2013 al 3 de Enero de 2014
Centro Cultural de Guía de Isora, Avda. de Isora, 13 – Guía de Isora
Tel: 922 851 440. Horario: L-V de 09:00 a 14:00 y de 16:00 a 21:00

Efraín Pintos

En cada edición, junto a varios especialistas en arte floral, decenas de personas, vecinos de a pie de Guía de Isora que no tienen contacto con la flor el resto del año, se sumergen durante varios días en este atractivo y a la vez desconocido para muchos,  mundo del arte floral, hecho este que impregna de frescura  al conjunto de manifestaciones e instalaciones artísticas que se colocan en la calle cada Semana Santa, con la flor y la materia vegetal como denominador común,  que tan magistralmente ha plasmado Efraín en las fotos que conforman esta exposición dedicada a la Pascua Florida, dentro de la XII Bienal Internacional de Fotografía FOTONOVIEMBRE 2013 y que estarán expuestas en la Galería de Arte Magda Lázaro y en el Centro Cultural de Guía de Isora.

Álex Rosa

Álex Rosa logró, gracias a la serie de fotografías denominada Kickboxing, el primer premio de la quinta edición del Certamen Regional de Fotografía de Prensa Tenerife, que convoca TEA Tenerife Espacio de las Artes, a través del Centro de Fotografía Isla de Tenerife, y que cuenta con el patrocinio de El Corte Inglés. Esta serie de fotografías fueron publicadas en la web de la agencia Acfipress.

Este premio, que nació en 2005 con la voluntad de llamar la atención sobre el trabajo de los fotógrafos de prensa, se enmarca dentro de la XII Bienal Internacional de Fotografía Fotonoviembre que se desarrollará en la Isla desde el 31 de octubre hasta principios de 2014. Álex Rosa recibirá 3.000 euros en tarjetas regalo de El Corte Inglés. Las imágenes ganadoras así como una selección de las obras presentadas a este certamen se expondrán, a partir del 11 de noviembre, en la Sala Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Tres de Mayo en el marco de esta bienal.

Andrés Gutiérrezz

Ángel Medina G.

Por su parte, Andrés Gutiérrez se alzó con el segundo premio por su serie titulada La promesa de El Hierro (imagen publicada en julio en La Opinión de Tenerife) y el tercero fue para el fotógrafo Ángel Medina gracias a una imagen titulada SP-SC.02 (que se publicó en El Mundo Deportivo y en la web de El Día). Los fotógrafos Gutiérrez y Medina percibirán 1.800 y 1.200 euros, respectivamente, en tarjetas regalo de El Corte Inglés.

El jurado de esta quinta edición, que se reunió el miércoles [día 25] en las instalaciones de TEA Tenerife Espacio de las Artes y que analizó las series así como todas las fotografías individuales que se presentaron a esta convocatoria que promueve el Centro de Fotografía Isla de Tenerife, estuvo integrado por el director del Centro de Fotografía, Antonio Vela; el director de Relaciones Externas de El Corte Inglés, Alfredo Medina; el fotógrafo y Premio Canarias de Comunicación, Trino Garriga; el conservador de la Colección de TEA, Isidro Hernández; el técnico del Centro de Fotografía, Emilio Prieto; y el técnico del Servicio Administrativo de Cultura y Patrimonio Histórico, Tomás Afonso, que actuó como secretario.

Julia Fullerton-Batten

Es una satisfacción la invitación recibida de la XII Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife para alojar en ella 23 fotografías  de ámbito nacional e internacional así como un video, de la Colección Los Bragales,  las cuales están depositadas en el museo TEA de Tenerife producto del  convenio de colaboración firmado el 15 de Mayo de 2010. En este caso la Colección se expondrá y por tanto habitará en el espacio de la sala Cabrera Pinto del Gobierno de Canarias en La Laguna.

Las piezas seleccionadas para el convenio fueron seleccionadas de la exposición  “Estancias, Residencias, Presencias una construcción particular”, que se realizó en mayo de 2010 en los espacios de TEA.

La colección Los Bragales consta de 300 piezas en los diferentes soportes: pintura, fotografía, escultura y vídeo. La fotografía representa un tercio del conjunto total de la colección y la  presencia Internacional en este soporte es de un 75%.

Si algo motiva a un coleccionista es compartir e interactuar con las ideas, opiniones y gustos de comisarios, coleccionistas o como es el caso de un festival consolidado como es FOTONOVIEMBRE.

Todas las piezas de la exposición han sido  realizadas entre los años 2000 y 2007, a excepción de la obra de Axel Hütte “Boppard-Germany” de 1999. En la muestra  está representada la nueva objetividad alemana, la fotografía nacional e internacional, y por temáticas  el entorno rural, la ciudad, el paisaje y la figura humana.

La colección Los Bragales nace en el año 1975 adquiriendo obras de la Escuela de París, Madrid e Informalismo, en el año 90 se complementan con pintura de los años 60 y 70  y en el año 95 se inicia la compra  de los 80, “década prodigiosa”. En los 90 se adquiere  fotografía nacional e internacional y en los 2000, se incorporan obras de los años  1990 y 2000, iniciándose  la incorporación del video a la colección y un reciclaje de formatos y calidades en su conjunto.

Desde el año 2009 la Colección asume su componente social y se inician exposiciones especificas y préstamos a diferentes museos y espacios expositivos como: TEA de Tenerife, Palacio de Sástago en Zaragoza, Ayuntamiento de Egea de los Caballeros, Museo de Arte Contemporáneo en Santander, Museo de Arte Contemporáneo en Alcobendas, Ayuntamiento de Garachico, Biblioteca Central en Santander y en el espacio que hoy nos reúne.

Está prevista la continuidad de esta exposición de FOTONOVIEMBRE en la Laguna en la Isla de Gran Canaria (Febrero-Marzo 2014), en el espacio La Regenta.

Como coleccionista  la perseverancia, la ilusión y sobre todo la pasión por el Arte Contemporáneo ha sido el denominador común.” Practico el eclecticismo y la falta de rigor técnico en las adquisiciones, lo que no facilita la estrategia de crecimiento de la colección bajo una línea argumental, pero siento que después de cuarenta años la Colección  es la que manda sobre el coleccionista, marcando dónde están los huecos a complementar, o que nueva pieza dialogará mejor con otra existente, etc. La conclusión es que la  libertad del coleccionista está supeditada a los mensajes de la colección”.

A los coleccionistas les mueve la pasión por el  Arte, la  evolución de los artistas por  los que ha apostado y el componente social de la colección con el objetivo de compartir y  que tenga utilidad social, como esta exposición.

Agradeciendo la invitación a los organizadores de FOTONOVIEMBRE  solo deseo a los ciudadanos de Tenerife que disfruten con estas obras de la Colección Los Bragales

Jaime Sordo González. Colección Los Bragales, Cantabria,  Noviembre 2013.

Axelle Fossier

Espectros, es el resultado de la combinación de dos trabajos (Immortelle e Ilusión) de la artista francesa Axelle Fossier, que aunque pertenecen a diferentes etapas de su trayectoria, han revelado compartir un mismo germen y posterior desarrollo creativo.

Ambas series surgen de un proceso de introspección, de búsqueda personal, que pretende hacer frente a una pérdida, ya acontecida o venidera. Las fotografías de Immortelle muestran diversos rincones de la casa de los abuelos de la artista, de gran valor sentimental para ella, antes de que fuera puesta a la venta. Cada imagen inmortaliza una habitación y evidencia la intima vinculación que existía entre la autora y los espacios.

En Ilusión, las fotografías son la expresión de un amor que se ha quedado atrás, una luz que brillaba con intensidad y, sin embargo, se ha desvanecido. Así son los reflejos que se proyectan en las paredes a diario y que normalmente pasan desapercibidos ante nuestros ojos: bellos, radiantes, pero también efímeros e ilusorios.

El origen de los dos trabajos es fruto de la necesidad de la artista de desprenderse del pasado para poder continuar. Su materialización en fotografías supone una despedida que le permite liberarse del compromiso pendiente, sin recurrir a un adiós definitivo. Deposita los recuerdos en imágenes que, al contemplarse, evocan el sentimiento arraigado en su interior…y en el nuestro. Este es precisamente el mayor logro de Axelle Fossier: haber sabido plasmar la esencia de una emoción para que la podamos percibir todos.

Nerea Ubieto