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Coches que esperan a ser reparados, aceite en el suelo y grúas preparadas. Ordenadores alineados y callados, teclados listos para el trabajo. Un local de copas nocturno o un almacén donde habitan objetos oxidados y casi olvidados. Lo que fue y lo que es, continente de un pasado y contenido vivo y reciclado. Así son las iglesias que el fotógrafo italiano Andrea Di Martino (Bolonia, 1964) retrata en La misa ha terminado, el proyecto que desvela en la XIII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre y que puede visitarse hasta el 15 de diciembre en el MNH Museo de la Naturaleza y el Hombre. “Es un trabajo que saca a la luz las vidas que han tenido y tienen algunas iglesias desacralizadas de mi país”, adelanta Di Martino quien reconoce que cuando empezó este proyecto (en 2007) tenía algunas ideas de lo que podía encontrarse aunque al final “la realidad sobrepasó la imaginación”.

Di Martino apunta que estas imágenes, que están “cargadas de contrastes” -pasado y presente, antiguo y contemporáneo-, ayudan a ver la “historia de Italia”. Consciente de que su proyecto pueda interesar a otros países e internacionalizarse, el artista considera que “pese a que fuera de Italia hay sitios e iglesias muy interesantes a las que también se han dado nuevos usos, éste es un proyecto que tiene un fuerte arraigo en Italia, que siempre ha estado muy unida a la iglesia”. Durante su paso por la Isla, el fotógrafo explicó que La misa ha terminado ofrece “varias lecturas” pero desea que sea “el propio espectador” el que se enfrente la obra de una manera “libre, sin contaminaciones” y que sea el visitante el que las interprete a su manera.

Afirma que sus iglesias, pese a tener otras utilidades diferentes para las que fueron construidas, siguen sin embargo “teniendo el alma que tienen todos estos lugares”. “Me gustaba estar en ellas un rato, sentirlas y notar su vida anterior”, reconoce Andrea Di Martino a la vez que recuerda que “aunque ahora las veamos cambiadas son realmente iglesias y uno las ve como tal pues su arquitectura nos llama a ello”. Sin embargo, si hay algo que quiere dejar claro el artista es que con este proyecto, que finalizó en 2013, no desea hablar de un supuesto declive de la iglesia. Apunta que en Italia existen miles de iglesias desacralizadas perdidas por todo el país, algunas de las cuales siguen siendo propiedad del clero.

Encontrar estas iglesias (retrató más de 70 y aún le quedan como 50 más por visitar) no fue tarea fácil. “Dar con ellas fue la parte más larga del proyecto”, confiesa el fotógrafo que empezó tomando fotos de las que él conocía ampliando después su radio de acción a otros lugares que descubrió buceando en Internet o con las aportaciones dadas por otras personas. El trabajo se completó con la búsqueda de informaciones históricas de las iglesias, otra ardua labor puesto que de algunas de ellas apenas existen datos. Estas iglesias son de épocas diferentes y de estilos distintos pero cabe destacar que la más antigua es del Siglo XI. “Hay gente que se molesta con los usos que se le han dado pero algunos curas con los que hablé sí están satisfechos con ellos, aunque siempre prefieren que se les dé un uso cultural”, reconoce el autor residente en Milán que valora que “gracias a estos nuevos usos, estas iglesias aún siguen vivas”. “De no ser así, tal vez estas construcciones habrían desaparecido”, agrega.

Otro de los puntos a tener en cuenta en La misa ha terminado es la propia arquitectura, de ahí que Andrea Di Martino las haya fotografiado siempre desde el mismo ángulo y siempre usando el mismo formato, el cuadrado. “Usando el gran angular pude unir los dos aspectos que me interesaba retratar, el arquitectónico en su verticalidad y el uso mediante la horizontalidad”, indica el italiano quien reconoce que ver una iglesia usada como “almacén fue algo impactante”. Otra característica que llama la atención de sus trabajos es que ellos, en sus historias, la figura humana tiende a desaparecer y solo está presente en contadas ocasiones.

“Me interesaba mostrar la arquitectura y comparar lo popular con lo más sofisticado, ya que hay grandes contrastes entre unas y otras”, apunta el creador quien conoció la existencia de Fotonoviembre hace cuatro años, cuando estaba de vacaciones en la Isla. “Quedé atraído por esta bienal y por TEA. Me gusta la calidad expositiva de Fotonoviembre, algo que no existe en todos los festivales”, subrayó Di Martino que reconoce que no es “asiduo” a enviar sus trabajos a los festivales pero que exponer en Fotonoviembre es algo “que siempre había querido”.

Andrea Di Martino estudió Informática en la Universidad de Milán y trabajó como asesor de sistemas de informática para algunas de las empresas más importantes en el sector. Sin embargo, tras una serie de viajes a América Latina, donde colaboró como fotógrafo con varias ONGs, se dedicó ya por completo a la fotografía profesional. Al principio se interesó por el fotoperiodismo y sus trabajos han sido publicados en revistas y en algunos de los periódicos italianos e internacionales más importantes. Cabe destacar que ha participado en numerosas exposiciones por el mundo entero y que es miembro de la agencia francesa Picture Tank.

Andrea Di Martino es, junto a Alby Álamo, Matías Costa, Vera Martín Zelich y Marie Maurel de Maillé, uno de los cinco fotógrafos escogidos en esta edición para formar parte de la Autores en Selección, una sección abierta a la participación de autores independientes. La conforman los trabajos que fueron escogidos entre 512 proyectos recibidos y correspondientes a 320 autores de 36 países (128 extranjeros, 109 canarios y 83 proceden de otras comunidades españolas). La participación extranjera procede de Senegal, Chile, Estados Unidos, Brasil, Grecia, Venezuela, Perú, Portugal, México, Colombia, Uruguay, Bélgica, Holanda, Rusia, Argentina, Portugal, Cuba, Irlanda, Irán, India, Camboya, Finlandia, Canadá, Turquía, Ucrania, Letonia, Japón, Reino Unido, Francia, República Checa, Alemania, Italia, Polonia, Dinamarca, Suiza y Austria.

Apoyados sobre paredes neutras, mirando directamente al objetivo como si retaran a la cámara con sus pupilas. Jóvenes que no hace mucho dejaron de ser niños y que ahora transitan a la madurez. Sin apenas gestos y debatiéndose entre las luces y las sombras de un espacio que los está viendo crecer día a día. Así son los retratos de la fotógrafa Vera Martín Zelich (Salamanca, 1995), imágenes que se han convertido en un tributo a su generación, a una generación que conoció y atrapó en su Instituto. Vera Martín, una de los cinco fotógrafos escogidos en esta edición para formar parte de la sección Autores en Selección de la XIII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre, explica que a través de sus imágenes trata “de transmitir todos los sentimientos y sensaciones que cualquier joven sufre durante esos años de instituto, así como los miedos, las inseguridades y los posicionamientos”.

Detalla que esta serie fotográfica -que puede visitarse en el Ateneo de La Laguna hasta el 31 de diciembre- está formada por retratos que la fue gestando en su cabeza durante los años en los que estuvo en el instituto, y que ya en el último curso fue cuando materializó la idea en parte  de las obras ahora expuestas. “Este trabajo está contenido en un contexto y en un tiempo determinados, pero actuando como una visión universal que parte de mi propia experiencia”, sostiene la autora salmantina quien puntualiza que la idea de Instituto nació a partir de una observación constante de su entorno, donde ella se sentía “más como una espectadora que como una participante”.

Sin embargo, reconoce que a la hora de realizar el trabajo hubo detalles que salieron a la luz en ese momento: “Al hacer este proyecto, me di cuenta de la fuerza que tienen los espacios y la luces a la hora de dar expresividad al retratado y también me percaté de que aquellas personas que elegí minuciosamente para retratar, pasaron de ser mis compañeros o amigos a sujetos con nombre pero universalizados pertenecientes a una realidad generacional”.

Pese a que este tema ya ha sido tratado por multitud de fotógrafos, además de cineastas y escritores, Vera Martín cree que quizás sea ésta “la primera vez que se trate desde una perspectiva únicamente de retrato, donde sea éste el que resuma el propio tema, el contexto”. Y es que el espacio elegido para su serie, el instituto, es todo un referente para la juventud y uno de los lugares donde más tiempo pasan estas personas en esa edad. Es, precisamente en este ámbito, donde se relacionan, forman y desarrollan. Instituto se llevó a cabo en un mismo centro y todos los personajes son alumnos del mismo, en el momento previo a terminar ese período.

Esta es la primera vez que se expone la serie y supone además la primera participación de Vera Martín Zelich en Fotonoviembre. “Mi paso por el festival ha sido muy positiva. El festival nos ha dado la posibilidad de producir el material gracias a un presupuesto suficientemente amplio y así poder mostrar los proyectos en gran diversidad de salas de exposiciones que se encuentran distribuidas por toda la isla. Por otra parte, el hecho de que el festival en sí, sirva de encuentro a fotógrafos y creadores de distintos campos es muy enriquecedor”, valora la creadora que actualmente se encuentra trabajando en un nuevo proyecto fotográfico.

“En él hago una investigación acerca de un territorio, un lugar concreto situado en Madrid, en la antigua pradera de San Isidro, que contiene gran variedad de símbolos, historias, tradiciones, encuentros, situaciones”, adelanta Vera Martín, quien entre los años 2008 y 2010 obtuvo varios premios fotográficos nacionales en categorías juveniles. Posteriormente recibió accésits en los certámenes internacionales Las cuerdas de la Imagen y en Transversalidades 2014.

En el 2010, Vera Martín realizó una exposición fotográfica en el Festival de Poesía y Arte en el medio rural celebrado en Morille y ha colaborado con diferentes artistas salmantinos en la documentación fotográfica de su obra y procesos artísticos. En el 2014 recibió una beca para la escuela de fotografía La Máquina. Actualmente, estudia Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid combinándolo con sus estudios en la escuela de fotografía Blank Paper.

Vera Martín Zelich es, junto a Alby Álamo, Matías Costa, Andrea Di Martino y Marie Maurel de Maillé, uno de los cinco fotógrafos escogidos en esta edición para formar parte de la Autores en Selección, una sección abierta a la participación de autores independientes. La conforman los trabajos que fueron escogidos entre 512 proyectos recibidos y correspondientes a 320 autores de 36 países (128 extranjeros, 109 canarios y 83 proceden de otras comunidades españolas). La participación extranjera procede de Senegal, Chile, Estados Unidos, Brasil, Grecia, Venezuela, Perú, Portugal, México, Colombia, Uruguay, Bélgica, Holanda, Rusia, Argentina, Portugal, Cuba, Irlanda, Irán, India, Camboya, Finlandia, Canadá, Turquía, Ucrania, Letonia, Japón, Reino Unido, Francia, República Checa, Alemania, Italia, Polonia, Dinamarca, Suiza y Austria.

El taller se ofrecerá de forma gratuita el lunes 9 de noviembre, en horario de 16:00 a 19:00 horas, en el Salón de Actos de la Fundación Caja Canarias.

Ambos fotógrafos participan este año en Fotonoviembre, con su proyecto «Victims“ en Atlántica colectiva, que se expondrá en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife a partir del 12 de noviembre.

Jiri Turek es uno de los mejores fotógrafos de la República Checa. Acompañó como reportero al presidente checo Vaclav Havel durante varias visitas internacinales. Ejerció también de reportero durante el conficto en Bosnia y Hercegovina. Es profesor de fotografía en la Universidad Salesiana y habitualmente imparte talleres de fotografía. Jiri ha fotografiado, entre otras celebridades, a David Bowie, Luciano Pavarotti, Lou Reed, Sting, the Rolling Stones. Desde 1995 se dedica también a la fotografía de moda, colaborando regularmente con revistas como Elle, Maxims, Harper´s Bazaar y Forbes entre otras.

Jana Jaburkova fue portavoz del Gobierno Checo y anteriormente del Ministerio para Desarollo Regional. Tiene amplia experiencia en comunicación y Relaciones Públicas también en el sector privado. Desde hace dos años colabora en el desarrollo de proyectos junto a Jiri Turek. Jana se dedica a la fotografía amateur desde hace más que veinte años y de forma profesional los últimos dos años.

El taller está organizado por la asociación SpainArt y cuenta con el apoyo de TEA Tenerife Espacio de las Artes, Caja Canarias, Canaria Travel y Canarias Beach Golf.

La asistencia es gratuita, pero hace falta confirmarla, ya que el aforo es limitado.
Inscripciones: art@spainart.eu o WhatsApp 606 670 225

Así, dentro de la programación para escolares El arte de aprender se han proyectado dos actividades, una dirigida a alumnos de Secundaria y Bachillerato y otra para alumnos de Primaria. La primera de ellas es una visita comentada en la que una maleta –como la que protagoniza, junto a la persona que la arrastra, una de las fotografías de la exposición de Vanessa Winship- es la “excusa” para recorrer las diferentes secciones de la muestra. Los escolares podrán de este modo descubrir y analizar, no sólo el trayecto físico que la fotógrafa británica llevó a cabo durante la realización de sus fotografías, sino el devenir continuo que la artista identifica, más allá de con cualquier individualidad, con la propia condición humana.

La actividad para escolares de Primaria se titula Cuéntame una foto y pretende acercar a los más pequeños al lenguaje fotográfico y proporcionarles algunas claves para desentrañar el contenido de las imágenes, leerlas y, por tanto, poder comunicarse con ellas.

Además de los programas para escolares está previsto que se realice un taller familiar dentro de la programación de Fin de semana de Arte, en el que adultos y niños trabajarán juntos también en torno al medio fotográfico.

El Espacio MiniTEA, por su parte, dedicará unas semanas a partir de diciembre a actividades relacionadas con una selección de imágenes de las exposiciones de fotografía. En el podrán trabajar los niños, solos o con la colaboración de sus padres, dentro de un amplio horario y sin necesidad de llevar a cabo una inscripción previa.

Finalmente, se ofertará a partir de la última semana de noviembre y hasta la clausura de las exposiciones, un servicio de visitas comentadas a las exposiciones Gestos hacia uno mismo y Vanessa Winship. Este servicio será gratuito con la adquisición de la entrada y será ofrecido a unas horas concretas tanto entre semana como durante los fines de semana.

Fecha de proyección: 27 de noviembre – 18:30 horas
Presentado por Javier Cabrera Cabrera, comisario del proyecto
Fotógrafos que participan: Ángel Luis Aldai; Alfredo Betancor; Javier Betancor; Teresa Correa; Tato Gonçalves; Ricardo Montesdeoca

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En esta muestra se concretan las partes visibles de la mitad del mundo que los fotógrafos, artistas visuales, Ángel Luis Aldai, Alfredo Betancor, Javier Betancor, Teresa Correa, Tato Gonçalves y Ricardo Montesdeoca -acompañados del bajo continuo, musical, que aporta Paco Rossique-, han elaborado en esa impronta de intuir del mundo lo que de su parte menos visible deja entrever: será, salir al mundo y desvelarlo.

Macerar su decantación carecerá de toda razón que no sea la de esclarecer a través del retorno, hasta concluir en el ser humano que dispuesto para ser revelado deja que esa otra mitad le contemple y se le adentre. O quizás derive hacia fuera esa otra conciencia en la que pervive la animación por la que, quien reconoce en la mitad de su rostro el rostro del otro que le completa, es y le establece universal.

En esta otra mitad del Mundo, hoy tan real, nos citamos y hasta aquí traemos la conjugación que estos seis fotógrafos, artistas visuales, proponen con intención de desvelarnos la otra mitad así de real –física o latente, pero ante todo humana- que palpita bajo el sustrato de lo que la creación sustenta. En ese ir, adentrarse o subvertir; regresar, compilar o desmantelar, desvelan la parte en la que a lo humano le toca pervivir.

Pues pese a todo mantenemos la esperanza de que las dos mitades invisibles concreten la visibilidad del mundo. Será, por tanto, la imagen la que nos permita hacer de nexo entre esas dos mitades, y será en la mitad descrita del Mundo donde la disfrutaremos. En la imagen nunca congelada que es la fotografía se concentra y concatena el fundamento principal que este proyecto viene a ofertar.

Impartido por  Ricardo Montesdeoca. Se celebrará los días 27, 28 y 29 de noviembre en TEA.

Horarios: presentación e inicio viernes 27 a las 18 a 20 h. Sábado 28 de 9 a 13.30 h y de 16 a 19 h. Domingo 29 de 9 a 14 h.

> Descarga AQUÍ el .pdf con el programa completo del curso

Cupo máximo 15 personas
Precio: 125 €
Inscripción: Taquilla de TEA, 922.84.90.90

Los primeros autorretratos de los fotógrafos, se remontan hasta los primeros pasos de la fotografía, cuando sus contextos todavía se estaban formando. Uno de los mejores y más tempranos retratos de sí mismo y definitivamente uno de los más inquietantes y peculiares, es el de Hippolyte Bayard, uno de los creadores de la fotografía. Sin embargo, en su momento no fue tan reconocido como algunos de sus colegas. Partiendo de ahí, la reacción al no haber recibido el mismo respeto que Louis Daguerre, en 1840 Bayard se retrató como una víctima suicida en una foto titulada El hombre ahogado. En su estudio, se quitó la ropa, se envolvió tan solo con un trapo ligero alrededor de la cintura, se posicionó en su silla haciéndose el muerto y se sacó un retrato.

Este gesto de Bayard, ahora con 175 años de edad, podría ser contemporáneo, con ese aparentemente fresco enfoque y estilo. Como acto de hacer retratos, ha causado una gran influencia en autorretratos posteriores. En esta hermosa foto, Bayard visualizó su ansiedad personal, se valió de sus habilidades y recursos para retratar su decepción y lo documentó fotográficamente. Esta habilidad de llevar a cabo múltiples capas de motivaciones es actualmente el rol principal en autorretratos.

Gestos hacia uno mismo se concentra en actuaciones de diez fotógrafos fineses: Aino Kannisto, Antti Laitinen, Elina Brotherus, Erica Nyholm, Harri Pälviranta, Heli Rekula, Iiu Susiraja, Kari Soinio, Marja Helander y Marko Karo. En las obras incluidas en la exposición, los cuerpos de los artistas son tratados como objetos, herramientas y medios para crear arte. Los artistas se posicionan en escenarios o decorados, contextos que pueden ser divertidos y a veces incluso humillantes. De esta manera, los artistas se hacen preguntas fundamentales sobre cuestiones de ética, objetividad y posibilidades documentales del autorretrato. A menudo las obras son a la vez absurdas y políticas: pueden referirse a cuestiones de género político o cuestiones sobre lo femenino o lo masculino, pero simultáneamente expresan humanidad y diversión y hacen referencia a la historia del arte y a la fotografía. También subrayan la importancia de la naturaleza para los artistas finlandeses, entendiéndose ésta, como naturaleza humana o entornos naturales.

Es de resaltar que Finlandia tiene una larga y próspera tradición de fotógrafos que han utilizado el autorretrato. Esta tradición alcanzó su edad de oro en los años ochenta, tras la incursión de las mujeres en el mundo de la fotografía y las artes. Desde entonces los gestos fotográficos hacia uno mismo han tenido una notable representación en las artes de Finlandia.

Harri Pälviranta
comisario

La indagación en el conocimiento, la observación constante, el amor por la arqueología, por la antropología, pero sobre todo la pasión vital por la fotografía, desde la fotografía, son los rasgos esenciales de la obra de Teresa Correa.

En su hábitat, en el mundo que refleja sobre el negro más profundo, las huellas del pasado adquieren sentido pleno. Los montones de huesos apilados, los fardos funerarios, la imagen de una mandíbula o de una mano, o los bustos realizados con afán antropológico, son elementos que ante su objetivo adquieren una nueva consistencia, una cualidad propia de la belleza que se superpone al conocimiento empírico.

Al hilo de la memoria supone un recorrido por su trayectoria vital tanto como artística. El diálogo que se establece desde las profundidades de una excavación, desde el secreto atractivo de los archivos museísticos, con los elementos que crean la visión espacial de la luz negra o, con los fardos funerarios recreados en la obra de Millares o de manera aún más arriesgada, con su propia imagen, son el sustento de un dialogo continuo con la fotografía. Un diálogo en el que la consistencia y la inmaterialidad de la imagen se establecen como el eje constante de su obra.

Si la luz -metáfora del conocimiento- constituye el sustrato primordial en sus procesos de investigación, no nos ha de extrañar, que la fotografía sea entendida en su concepción más primigenia (luz-oscuridad), binomio que le permite a Correa establecer procesos reflexivos en cuanto a la condición humana y su papel dentro de la Naturaleza. Un recorrido vital, pues tanto el paisaje de su entorno más inmediato, como los espacios museísticos -donde esta naturaleza es clasificada, ordenada y etiquetada- pasan a ser esos lugares en los que esta artista hilvana todo su discurso artístico.

Los depósitos de museos, entre los que se encuentran el Museo Canario y el Museo Arqueológico de Tenerife, constituyen esos espacios del conocimiento en los que Correa se permite atravesar el límite y revelar “lo visible oculto”. Hacernos excavar en la memoria colectiva mediante el desvelamiento de unos Bustos de las Razas Humanas, que irremediablemente sentaron las bases de un discurso antropológico refutado, ejemplificando así, todo un pasado de dominación eurocentrista.

En un momento como el actual, en el que impera la constante incertidumbre y toda memoria histórica está amenazada por el olvido; donde la línea divisoria se vuelve más obscena, sistémica e injusta, Correa, en última instancia, nos invita a profanar la imagen. Un acto de resistencia, en tanto en cuanto revierte el tiempo antropológico mediante una obra fronteriza, con la única intencionalidad, de cuestionarnos sobre la vigencia de un discurso hegemónico obsoleto que, trágicamente, sentó las bases de toda discriminación racial.

Una antropología visual que, aunque universal, no deja de ser autobiográfica.

Ángeles Alemán – Raquel Zenker