AUTOR/ES	PROYECTO
Agata Serafin	Seven
Aimo Hyvärinen	VÍDEO: The Bench
Alejandro Castañeda	Memoria no acordada
Alfredo Betancor del Rosario	Hecho de mar
Alicia Martín	VÍDEO: TRAMA Y URDIMBRE
Ana de Orbegoso	VÍDEO: La Última Princesa Inca
Ana Nieto	#IFYOUCANNOTMAKEITFAKEIT
Andrés Efe. García Cuesta	Pasado y presente; África Norte
Ankor Ramos	Varanasi
Anne Sophie Costenoble	Late summer
Antonio Mas González	Lost in the museum
Ardiel J. González	El Hierro. La isla mágica
Attilio Fiumarella	The Swimmers
Bela Limenes Rosenfeld	Enciclopedia de la mujer
Belén Cerezo	VÍDEO: ¿Cómo abrir los ojos?
Carla Degenhardt	Velo
Carlos Collado	Tangibles
Carlos Savoie	Naturalezas Muertas
Carmen Dolores León Díaz	A través del cristal
Carmen Visuerte Morales	Muslimes
Catarina Diedrich	Once árboles
Chema Hernández	Saxum Fluctuo
Christian Vilar	Cosplay Project
Christophoros Doulgeris	The Schools Project
Claudia Jares	VÍDEO: La pasión y la locura
Colectivo Unlimited	AQUAM VITAE
Cynthia Estébanez	Explorando
Damián Borges	CAUTIVAS
Daniel de la Guardia Sánchez	Sin título
Diambra Mariani y Francesco Mion	Recycled Villages
Didier Bizet	Chapters
Dorian François	Paths
Edgar de Felipe	Decas-Retrato
El viajero del Faro	SIN RUMBO project: Ámsterdam, primera parada
Elena Machado	VÍDEO: RADIANT DARKNESS
Elpida Katsika	Une promenade dans la banlieue
Émili Bermúdez	La luz, nido de la palabra
Enrique Arnaiz Ibarrondo	Ksamil
Eriz Moreno Aranguren	Untitled (BERLÍN)
Escuela Artística de Fotografía de Los Realejos	Fotografía para llevar
Estefanía Martínez Bruna	IMÁGENES SUSPENDIDAS
Fernando Maselli	Infinito Artificial
Fernando Sendra	Broken
Fran Orallo	Autorretrato N1
Francisco José Macías González	Segunda Residencia
Gara García Sánchez	LAS 7 EMOCIONES de niña
Giuseppe Satriani	Ikebana
Gonzalo Ruiz Ortega	Sitios y almas
Goretty Gutiérrez Correa	Up
Guillermo Fariña Ruiz	La Luna sobre Epupa
Gwen Walstrand	Irrealis
H. H. Capor	The Sound of Music
Hamid Raffi Tabatabai	Con El Paisaje en la Retina
Hanna Jarzabek	VÍDEO: Flores de otoño
Héctor Socorro	Histoires du Marché
Imanol Marrodán	Frozen trees
Isa Sanz	BUSCADORES
Isabel M. Martínez	VÍDEO: TIEMPO
Janelle Lynch	The Llobregat
Jason Langer	Twenty years
Javier Manrique	Valientes
Jennifer Loeber	Gyrle
Jesús Duque Cranny	A State of Mind
Jiri Turek	Victims
Joan Alvado	Escuela de Pastores
Joaquín Artime	inventario
Jorge Bonet	¿Nunca has tenido un Déjà vu?
Jorge Fabián Castillo	Ausencias
Jorge Luis Santos García	Las Diosas Encarnadas
Jorge Pérez Higuera	The Other Side
José Luis López Monzón	DERROTEROS
Jose Tándem	La verdad desnuda
Josefran Santana	NIDO. La permanencia de las cosas
Juan González Fornés	Portraits of mobility / Retratos de la movilidad
Julian Salinas	Nocturnal view
Julio A. Carreño Guillén	Espacio abierto El espacio como experiencia de la espacialidad
Julio M. Romero	PLAYAS
Katia Repina y Luca Aimi	I don’t need to know you
Kristina Pérez	VERTICAL CITY
Laurent Lafolie	Y
Leonardo Oliveros	Sin título 2
Lina Manousogiannaki	Sweet Sixty
Llorenç Ugas Dubreuil	Between the line
Luna Bengoechea Peña	VÍDEO: A cuánto está la libra
Lute Déniz	SIGO
Luz Marina Déniz	Estados de densidad
Mahdyar-Jamshidi	Trace Of The Lost Moment
Maite González Laurens	Ejes y coordenadas
Manuel Lama	ArteSpacio
Mar Garrido	VÍDEO: PRESENTE CONTINUO: INSTANTES SIN TIEMPO
Marco A. Toledo	Domicilio de experiencias
Marcos Ravelo Fernández	Aurisilva
María Pérez Quintero	No Redes
Mariah Curbelo	VÍDEO: Pandora: La Renovación del Juego
Marisa Culatto	Still life-SWEDE
Marta Moreiras	CROP CIRCLES
Marta von Poroszlay	Una Jornada en Londres
Martin Zellerhoff	Ran ans Motiv
Massimiliano Maddalena	The Double Identity of the Corner
Matteo Rebuffa	DESTERRADOS CONTEMPORÁNEOS
Mauricio Pérez Jiménez	A través del paisaje
Michael Michlmayr	KONTINUUM 2 Photo
Miguel Ángel Roldán	Sólo es
Miguel David	P N T
Mimí Mitsou	In the dark places
Miyuki Okuyama	The land of the setting sun
Monica Bellonzi	Hasta que dura el calor
Monika Ruiz-B	À la manière de Bacon
Monique Hoffman	In the Presence of Absence
Olga Ingurazova	Scars of independence
Orlando Arocha Henríquez	Una torsión de la realidad
Osvaldo Hopfer	VÍDEO: Sobre una isla mediterránea
Pablo Gimenez Zapiola	Inner Atmospheres
Paco Valverde	VÍDEO: Traducciones/Translations
Pamela Zeferino	Borrar la ciudad
Panki Rodríguez	VÍDEO: Gammvolvon pa botten av Falkträsket
Paola Rivero	para él, ser humano, tiene que ejercer una gran tragedia
Patrizio Maiavacca	Procession of hawkers
Pedro Sanfiel Cervós	Colores de lluvia
Rama Tiru	Japan At Street Level
Ramón del Pino de León	Amura
Raquel López-Chicheri	Vocación privada
Robert Harding Pittman	The Bubble
Rosa Rodríguez Sánchez	Moscow White Dreams
Rubén Plasencia	Lucha Canaria
Ruth Pérez Ruiz	VÍDEO: Sobre identidad…
Salvador Aznar	Viaje, antropología y turismo
Sebastián Almazán	VÍDEO: Personal Landscapes
SEIGAR	El Lenguaje Figurado de Figueras, reinterpretando a Dalí
Sergio Acosta	Vacíos del agua
Silvia Prió	B 612
Simon Norfolk	VÍDEO: When I Am Laid In Earth
soJin Chun	VÍDEO: Industrious Dreams of a Forgotten Past
Stanislav Shmelev	Objects Found on the Beach
Tahir Ün	Xinjiang: Re-Construction
Tarek Ode	VÍDEO: LA ZONA
Tina Sejbjerg	Attempt to construct a tree
Uve Navarro	Yo soy mi propia trampa
Varvara Shavrova	Miniature Suicides
Víctor Guntín	Tributo a Katmandú
Viviana Adonaylo Patri Cámpora	El día que las mujeres entraron en las bodegas
Wilfredo Simón Sosa	De Vietnam a Camboya: Pasajes
Xabier Vila–Coia	Los Miedos
Xisco Bonnín	PHOTO DATA CORRUPTION
Zhana Yordanova	Memoria del silencio

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Christine Mathieu

En mi taller, hay algunos libros antológicos sobre la relación entre la humanidad y el diseño de máscaras. Se abre un mundo de silencio y de espiritualidad, que utilizo como motivo de pensamientos e inspiraciones.

Desde 2011, el uso de materiales como lana, fieltro, cintas, hilos, cuerdas y tierra me han permitido desarrollar, perfeccionar y recopilar casi sesenta máscaras fotografiadas.

Entre el maniquí y la figura humana, la fotografía y la artesanía, las escenas intentan delinear la «figura» del alma.

Una búsqueda simbólica de mi parte de silencio. Una necesidad personal de huir de la rutina superficial y rebelarse contra el uso excesivo de la forma del cuerpo en el arte.

Mi atención se centra en la simplicidad, para crear una figura lo más primaria posible. A modo de ritual, mi proceso de trabajo comienza con la recopilación de materiales al azar y termina fotografiando las «figuras» creadas. En el medio, la evolución es visible a través del uso cronológico de materiales. Cada elección desencadena un nuevo ciclo de atmósferas.

Diseñado como un pequeño ritual, que comienza por la creación de la «cosa» a fotografiar. Los materiales están deliberadamente escogidos para ser simples y bien conocidos. Se finaliza con la fotografía, seguida por la edición digital.

Esas etapas sucesivas me permiten crear mis esculturas fotografiadas, medio real, medio ficción.

El trabajo manual (bordado, tejido, trabajo de la aguja, costura, perlas) en cada obra lleva mucho tiempo. La sencillez de estas técnicas familiares y ancestrales me une a décadas de modestos artesanos.

Fotografía y creación digital completan el objetivo final y también dan una  dimensión mágica de lo irreal.

Cristina Fontsaré

 El trabajo de Cristina Fontsaré se halla más cerca de la ensoñación que del documento. Aquí se concitan las huellas de una realidad presente y las de un deseo largamente anunciado. Lo real y lo imaginario conviven armónicamente entre las tinieblas de las que emanan presencias inquietantes, ya sea en mitad de una gasolinera, al borde de una carretera, en una rotonda iluminada o frente a un edificio solitario.

Al provocar ese feliz encuentro entre lo vivido y lo imaginado, la autora introduce de forma intuitiva un elemento característico en su obra: una narrativa que propone relatos visuales inconclusos más que meras instantáneas al uso. Para ello incorpora sensaciones que no pertenecen al mundo real, sino a la transustanciación poética practicada cuando fotografía esos paisajes.

Sus “no lugares” nocturnos funcionan como “espacios de ocupación temporal” que nos remiten tanto al encuentro como a la pérdida. El halo luminoso que baña estos escenarios nocturnos invoca los anhelos de los personajes que los habitan. Pero,  cuando el paisaje cobra un protagonismo absoluto, es la voz en off de la artista la que se manifiesta sobre el territorio. Por eso, muchos de los títulos de sus obras nos remiten a un determinado estado emocional que trasciende el propio paisaje. La imagen se erige aquí en un mecanismo activador de los afectos, las angustias o los deseos. Podríamos hablar en realidad de paisajes post-románticos. Porque, más que sobre la naturaleza abrupta, las emociones se vuelcan sobre arquitecturas y construcciones geométricas que dinamitan la experiencia del paisaje salvaje. La autora fotografía invariablemente territorios donde estas estructuras artificiales, sin intención estética alguna, se abren paso entre las sombras nocturnas. Así encontramos pancartas publicitarias convertidas en esculturas de luz, gasolineras o rotondas sin función, a modo de islas luminosas, de territorios desangelados.

Sometidos a una economía geométrica eficaz, estos lugares le disputan el terreno a la naturaleza cercana. Son al mismo tiempo espacios de luz aislados e integrados en mitad de la nada que los acompaña.

La naturaleza nocturna es pues un telón de fondo, un elemento secundario que enmarca y da cabida al espectáculo de la desolación. Los personajes protagonistas deambulan sin rumbo en el límite entre la luz y la oscuridad. Sus apariciones se producen en paisajes sin identidad, en zonas residenciales de las periferias urbanas que exhiben vanidosas sus falsas promesas de libertad. Pero es ahí, en mitad del paisaje degradado, donde la artista practica el simulacro del reencuentro anhelado, a la espera de que alguien la rescate de una noche sin fin.

José Gómez Isla

 Sarah Carp

Glendarragh, la Cañada de los Robles, está a treinta kilómetros al sur de Dublín, donde fui en busca de mis raíces. Mi abuela, que murió en 1999, era irlandesa y había vivido allí unos cuantos años antes de emigrar hacia Suiza. Le debía a ella mi pasión por el Arte, y era a través de la fotografía, naturalmente, que me sumergiría en su historia.

Las imágenes, producidas a través de diversos viajes, tienen que ver con la ausencia y la memoria. Hice fotografías durante el periodo invernal de forma que los colores y el ambiente estarían en armonía con la contemplación y la reflexión. Esta contemplación íntima de mi entorno inmediato ofrece un viaje sujetivo y emocional en un mundo condenado a desaparecer. Este movimiento de regreso al terreno explora las mutaciones de una vida que se transforma y renueva con una lentitud plena y sencilla.

En esta Irlanda rural, el ritmo de la vida depende del tono de los elementos. Los personajes, que parecen salidos directamente de un cuento, son miembros de mi propia familia o son gente que vive en  Glendarragh. Los lugares están rellenos de objetos extraños. Los interiores y paisajes cuentan las memorias del lugar. La naturaleza circundante, salvaje y mística, parece contener los secretos de la vida.

Se tomaron estas imágenes entre 2003 y 2012. El significado y coherencia del proyecto surgieron a través del tiempo. Las imágenes están relacionadas de forma sujetiva de manera que ofrecen una forma de narración que permite a cada espectador inventar su propia historia. Mi propia narración, igual que nuestra memoria en constante transformación, continuamente se compone y se recompone. Un rompecabezas sujetivo de colores, sensaciones y emociones.

Esta exposición ha sido patrocinada por el Museo del Elysée, Lausana (Suiza).

Simona Rota

Ost [ˈɔst], aleman, substantivo                            este
Algos [álɡos], griego antiguo, substantivo       dolor

Ostalgia es una serie fotográfica que desarrollé durante más de dos años y que nació a raíz de un trabajo de documentación para el Museo de Arquitectura de Viena: bajo el nombre Soviet Modernism, un equipo del Museose encargó de localizar, rescatar y estudiar los archivos relacionados con la arquitectura promovida por la antigua Unión Soviética en sus 15 repúblicas entre las décadas de 1960 y 1990. La serie se constituye como un catálogo subjetivo de edificios monumentales que parecen testimoniar heroicas intenciones de un pasado, pero que llegan hasta el presente destilando cierto optimismo erosionado y cierta decepción. Construidos para ser iconos del triunfo y del progreso, fueron cómplices de la propaganda política dentro de la dinámica legitimadora de un régimen totalitario: Casas de Cultura de los Pioneros Socialistas, Palacios de los Obreros, Palacios de Lenin, circos, palacios de deportes, museos y mausoleos… Todos ellos responden a una modernidad formal y programática, y todos ellos tenían que contar una historia de triunfo; hoy se alzan como gigantes absurdos, grandes sueños invalidados por la historia inmersos en la atmósfera decadente que se respira en las repúblicas exsoviéticas y que genera un espacio físico y virtual sobre el que resulta fácil proyectar mitos y nostalgias. Por otro lado, las descomunales dimensiones de estas instalaciones en relación con la escala humana marcan de una manera significativa la posición del individuo dentro de una sociedad autoritaria, su papel meramente decorativo. En las plazas soviéticas, los individuos transitan furtivamente; pequeños y aplastados, no se paran a dialogar, a debatir, a poner en duda.

Ostalgia (el “dolor de Este”, si se insiste en traducir literalmente la palabra) nació en 1989, después de la caída del Muro de Berlín. De haber existido antes, no se le habría puesto nombre hasta el momento en que la antigua República Democrática de Alemania (DDR) —que por entonces se enfrentaba a los rápidos cambios necesarios para la integración con su mitad occidental— empezó a sentir una nostalgia de su vieja identidad en proceso de disolución. Este anhelo, junto con cierto sentimentalismo del Oeste hacia el Este, acabó creando una nueva mitología sobre la antigua DDR y, por extensión, sobre el antiguo bloque soviético. Ostalgia es una aleación lingüística tan peculiar como el deseo mismo de reconstruir algo que podría no haber estado nunca allí.

SoJin Chun

El Oficial Tuba conoce al Fantasma Feliz

SoJin Chun utiliza películas incompletas  de 35mm de Hong Kong de 1986 en los géneros de comedia y cuentos de fantasmas. Utiliza estrategias digitales para volver a hacer películas de 35 mm y Super 8, donde la representación del tiempo y del lugar está confusa entre pasado, presente o futuro. El desplazamiento de los personajes desde los contextos y los tiempos de las películas originales permite al artista romper el flujo ininterrumpido de la narrativa cinematográfica creando un nuevo espacio desde las obras incompletas, la mayoría de las cuales no han sido visionadas en su conjunto.

El Oficial Tuba conoce al Fantasma Feliz presenta a los espectadores un método alternativo para hacer la representación en el tiempo a través de la construcción de un cine dentro de la galería. A través de un proceso que utiliza mucha mano de obra, Chun ha sacado personajes desde dos películas de comedia/cuento de fantasmas del archivo. Trabajando con materiales digitales y rotoscopiado, estas figuras han sido sacadas de su tiempo y espacio originales para involucrarse en el presente y en la diáspora asiática en América.

Los personajes principales de esta nueva película son el Oficial Tuba (de «Where’s Officer Tuba», 1986) y una actriz sacada de las películas Happy Ghost (cinco películas 1984-1991). Aunque nunca se conocen, Chun da a estas dos figuras los papeles de amantes desventurados que se buscan el uno al otro en el mismo momento, en ciudades a miles de kilómetros de distancia. En este trabajo, Chun ha unido las dos figuras, digitalizando el super 8 original. Crea un híbrido digital que confunde los espacios geográficos y temporales, combinando la película de pequeño calibre que rodó en Sao Paulo y Toronto a principios de 2011, con la grandeza marchita de las películas fuente de 35mm.

Rodados en los barrios coreanos de estas dos ciudades, las localizaciones nuevas de Super 8 de Chun juegan con las suposiciones occidentales de la homogeneidad física y cultural de los asiáticos. Sacando estos personajes de sus películas cantonesas originales y colocándolos como coreanos separados por la experiencia de la migración, evoca historias globales y en particular la entrega de soberanía en Hong Kong en 1997. Chun extiende esta nueva narrativa manteniendo el espacio para el cine, con una pantalla, asientos y un póster en la entrada. Esta creación de una caja negra dentro del cubo blanco afirma una experiencia colectiva y una forma cinematográfica que permite que la fuente hable dentro de su lenguaje formal mientras que se rompe la comunicación narrativa.

Eric Nehr

El género del retrato permite comprender el arco que va desde levantar acta fotográfica de un documento social a devenir un agente político, una imagen convertida en cuerpo, o que es capaz de remitir físicamente al cuerpo del espectador, a través de la confrontación con toda suerte de alteridades o de resistencias. La etimología de la palabra “retrato” se remonta al latín “portrahere”, que significaba exponer o revelar. En todas las definiciones de retrato que dan los diccionarios habituales, además de a la finalidad primera de representar el parecido con la persona retratada, también se refiere a que está enmarcado o dispuesto de un modo tal que su finalidad material es ontológicamente pública, indisociable de su exposición.

Lo que esta exposición pretende contar es cómo el retrato condensa la historia de la fotografía: la evolución del medio, pero también las posibilidades de introspección psicológica de cada tiempo; de sus usos sociales, pero también del modo en que la fotografía influye en la realidad para poco a poco convertirla, de antemano, en una experiencia por la imagen.

Por último, y no menos clave, el retrato es el archivo de la memoria, la posibilidad más perentoria de salvaguardar la existencia. Es el género primordial a la hora de satisfacer paulatinamente las ansias de representación en los flujos informativos e históricos de la humanidad contemporánea. El retrato es entonces un marco de legibilidad o un vector de significación sobre múltiples formas de analizar el mundo contemporáneo. Pero su naturaleza en sí es la que plantea esa relación cruzada elemental: una fotografía de retrato es un nexo entre alguien que mira su resultado, aquel que fotografió y la mirada –o su negación esquiva, escamoteada del objeto retratado. Las fotografías de ciudadanía son un manifiesto no unívoco, abierto precisamente a su negociación entre los miembros de la ciudadanía misma que, por definición, participan desde su contemplación y análisis de su proceso de creación: tienen una responsabilidad fundamental, al cruzarse con ellas, como si hubiesen apoyado los dedos del fotógrafo sobre el botón del obturador en cada toma.

Manuel Segade

Alécio de Andrade

«Las fotografías de Alécio de Andrade son testimonio de casi cuarent años de la vida del Museo de Louvre, desde los copistas que todavía acuden a plantar sus caballetes hasta las familias extenuadas o las religiosas inmóviles ante la representación de las tres Gracias en toda su desnudez. Tienen la particularidad de presentar simultáneamente a los visitantes y a las obras en su contexto museístico, y el intercambio que se establece entre la obra y sus espectadores. Con humor y poesía, pero también con la precisión de un etnólogo, el fotógrafo fijó la variedad de las generaciones, de las actitudes, de los gestos, de las indumentarias, y reveló un sorprendente abandono de los cuerpos, una libertad.»

Edgar Morin

Fotógrafo y poeta, pianista y amigo de escritores y músicos de todo el mundo, Alécio de Andrade (1938-2003), brasileño residente en París, recorrió durante casi cuatro décadas las salas del museo del Louvre, a partir de 1964. Sus visitas nos han dejado 12.000 fotografías. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte. Sin procurar la cronología ni presentar un panorama de las transformaciones acaecidas en el museo a través de los años, la exposición de ciento once fotografías y el libro que la acompaña imaginan las diferentes etapas de una visita a la manera de un guión cinematográfico.

Leopoldo Cebrián

«Se podría comparar el arte de la fotografía con el acto de señalar».

John Szarkowski

Desde mediados del siglo XIX se tomó consciencia de coleccionar y preservar fotografías como un registro visual para la posteridad por su incuestionable capacidad para la descripción de gentes, lugares y cosas, lo que  ha hecho de ésta una fuente importantísima que nos abre los ojos a la observación de la diversidad cultural del mundo, y nos sirve tanto para entender el pasado como para tratar de explicar el presente.

Y así, debido a su impacto emocional y a su capacidad expresiva, a partir los años 50 del siglo pasado se revitalizan de forma inequívoca múltiples visiones sobre la idea de Colección, proliferando entonces, la creación de secciones especializadas en distintos museos, universidades, archivos y centros específicos que incorporan entre sus objetivos el de impulsar la creación fotográfica con vertientes novedosas y de enorme potencial.

La colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife tiene sus inicios en 1989, y  cuenta en la actualidad con unos fondos que están  constituidos por numerosas obras originales que abarcan un amplio espectro de géneros, movimientos artísticos, soportes y procedimientos técnicos utilizados en los siglos XIX, XX y XXI.

Bajo el título de Asimetrías hemos querido estructurar la presente muestra, en la que  ofrecemos una breve selección de estos importantes fondos fotográficos. Se trata de una primera entrega o de un primer itinerario a través de los pasos de una Colección aún abierta y en marcha, que a manera de índice pretende mostrar las distintas corrientes y tendencias en el panorama de la creación local e internacional. En esta primera entrega de la Colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife confluyen  diversas  visiones y escenarios, desde la geografía al retrato; desde el  relato y las relaciones sociales al documento, desde los lenguajes del cuerpo a la ficción o la ensoñación. Y es que, a fin de cuentas, todo, o casi todo, cabe en el reducido espacio  de una fotografía.

El proyecto Donde habita el recuerdo habla de los miles de asesinados en la zona sublevada tras el golpe de estado del 18 de julio de 1936, que fueron víctimas de una represión cruel y sistemática y que fueron enterrados en fosas comunes a lo largo de todo el país, ocultas por un pesado manto de silencio y olvido. La muestra aborda las labores de recuperación de los restos y de la memoria de esos miles de asesinados tanto durante el golpe de estado como durante la posterior guerra civil y los años de régimen franquista, a través de las exhumaciones realizadas con rigurosas técnicas de arqueología forense que garantizan la seriedad, el respeto y la trascendencia de los trabajos.

La exposición, un ensayo documental sobre los trabajos de localización, identificación y exhumación de fosas de la guerra civil española, se compone de cuatro proyecciones, tres son de fotografías tomadas en exhumaciones de fosas comunes realizadas por Aranzadi y en otra proyección se han seleccionado más de 700 imágenes de archivo. En palabras de su autor “Esta es una historia que habla de sufrimiento, de olvido, de horror, de silencio, de miedo, de odio y de muerte. Pero sobre todo es una historia llena de amor. Del amor de quienes decidieron no olvidar, llorar y luchar sin descanso por la memoria de todos aquellos a los que les fueron arrebatadas impunemente sus vidas. Sus sueños”.