Los primeros autorretratos de los fotógrafos, se remontan hasta los primeros pasos de la fotografía, cuando sus contextos todavía se estaban formando. Uno de los mejores y más tempranos retratos de sí mismo y definitivamente uno de los más inquietantes y peculiares, es el de Hippolyte Bayard, uno de los creadores de la fotografía. Sin embargo, en su momento no fue tan reconocido como algunos de sus colegas. Partiendo de ahí, la reacción al no haber recibido el mismo respeto que Louis Daguerre, en 1840 Bayard se retrató como una víctima suicida en una foto titulada El hombre ahogado. En su estudio, se quitó la ropa, se envolvió tan solo con un trapo ligero alrededor de la cintura, se posicionó en su silla haciéndose el muerto y se sacó un retrato.

Este gesto de Bayard, ahora con 175 años de edad, podría ser contemporáneo, con ese aparentemente fresco enfoque y estilo. Como acto de hacer retratos, ha causado una gran influencia en autorretratos posteriores. En esta hermosa foto, Bayard visualizó su ansiedad personal, se valió de sus habilidades y recursos para retratar su decepción y lo documentó fotográficamente. Esta habilidad de llevar a cabo múltiples capas de motivaciones es actualmente el rol principal en autorretratos.

Gestos hacia uno mismo se concentra en actuaciones de diez fotógrafos fineses: Aino Kannisto, Antti Laitinen, Elina Brotherus, Erica Nyholm, Harri Pälviranta, Heli Rekula, Iiu Susiraja, Kari Soinio, Marja Helander y Marko Karo. En las obras incluidas en la exposición, los cuerpos de los artistas son tratados como objetos, herramientas y medios para crear arte. Los artistas se posicionan en escenarios o decorados, contextos que pueden ser divertidos y a veces incluso humillantes. De esta manera, los artistas se hacen preguntas fundamentales sobre cuestiones de ética, objetividad y posibilidades documentales del autorretrato. A menudo las obras son a la vez absurdas y políticas: pueden referirse a cuestiones de género político o cuestiones sobre lo femenino o lo masculino, pero simultáneamente expresan humanidad y diversión y hacen referencia a la historia del arte y a la fotografía. También subrayan la importancia de la naturaleza para los artistas finlandeses, entendiéndose ésta, como naturaleza humana o entornos naturales.

Es de resaltar que Finlandia tiene una larga y próspera tradición de fotógrafos que han utilizado el autorretrato. Esta tradición alcanzó su edad de oro en los años ochenta, tras la incursión de las mujeres en el mundo de la fotografía y las artes. Desde entonces los gestos fotográficos hacia uno mismo han tenido una notable representación en las artes de Finlandia.

Harri Pälviranta
comisario

La indagación en el conocimiento, la observación constante, el amor por la arqueología, por la antropología, pero sobre todo la pasión vital por la fotografía, desde la fotografía, son los rasgos esenciales de la obra de Teresa Correa.

En su hábitat, en el mundo que refleja sobre el negro más profundo, las huellas del pasado adquieren sentido pleno. Los montones de huesos apilados, los fardos funerarios, la imagen de una mandíbula o de una mano, o los bustos realizados con afán antropológico, son elementos que ante su objetivo adquieren una nueva consistencia, una cualidad propia de la belleza que se superpone al conocimiento empírico.

Al hilo de la memoria supone un recorrido por su trayectoria vital tanto como artística. El diálogo que se establece desde las profundidades de una excavación, desde el secreto atractivo de los archivos museísticos, con los elementos que crean la visión espacial de la luz negra o, con los fardos funerarios recreados en la obra de Millares o de manera aún más arriesgada, con su propia imagen, son el sustento de un dialogo continuo con la fotografía. Un diálogo en el que la consistencia y la inmaterialidad de la imagen se establecen como el eje constante de su obra.

Si la luz -metáfora del conocimiento- constituye el sustrato primordial en sus procesos de investigación, no nos ha de extrañar, que la fotografía sea entendida en su concepción más primigenia (luz-oscuridad), binomio que le permite a Correa establecer procesos reflexivos en cuanto a la condición humana y su papel dentro de la Naturaleza. Un recorrido vital, pues tanto el paisaje de su entorno más inmediato, como los espacios museísticos -donde esta naturaleza es clasificada, ordenada y etiquetada- pasan a ser esos lugares en los que esta artista hilvana todo su discurso artístico.

Los depósitos de museos, entre los que se encuentran el Museo Canario y el Museo Arqueológico de Tenerife, constituyen esos espacios del conocimiento en los que Correa se permite atravesar el límite y revelar “lo visible oculto”. Hacernos excavar en la memoria colectiva mediante el desvelamiento de unos Bustos de las Razas Humanas, que irremediablemente sentaron las bases de un discurso antropológico refutado, ejemplificando así, todo un pasado de dominación eurocentrista.

En un momento como el actual, en el que impera la constante incertidumbre y toda memoria histórica está amenazada por el olvido; donde la línea divisoria se vuelve más obscena, sistémica e injusta, Correa, en última instancia, nos invita a profanar la imagen. Un acto de resistencia, en tanto en cuanto revierte el tiempo antropológico mediante una obra fronteriza, con la única intencionalidad, de cuestionarnos sobre la vigencia de un discurso hegemónico obsoleto que, trágicamente, sentó las bases de toda discriminación racial.

Una antropología visual que, aunque universal, no deja de ser autobiográfica.

Ángeles Alemán – Raquel Zenker

La exposición ofrece imágenes de la ruta de España a América Latina, la misma que recorriera Cristóbal Colón en su segundo viaje al Nuevo Mundo. Las veintiuna fotografías que componen la muestra retratan los veintiún días de travesía oceánica. Sin embargo, lo esencial en este caso no es el tema.

A través de este proyecto, Janek Zamoyski lleva a la práctica sus hipótesis teóricas y estéticas, independientes hasta cierto punto de la realidad fotografiada. En sus imágenes, el autor reflexiona sobre la estética de la fotografía contemporánea –que, por sí misma, constituye el contenido artístico de su trabajo–, una estética que pretende ofrecen una perspectiva amplia de la contemporaneidad. Lo importante es la manera de pintar, las características de la línea trazada, a través de la cual el artista expresa su percepción de la realidad. El tema, si bien secundario, tiene también importancia. Su imperfección, y la consiguiente dificultad, se deben a la necesidad de seleccionar o simbolizar. El autor no pretende cultivar una crítica de la realidad, para traducirla después al lenguaje visual. En lugar de inventar el arte, prefiere buscarlo, descubrirlo y entenderlo, partiendo siempre de la experiencia; el conocimiento tan solo ayuda en la interpretación.

La temática de las obras define al artista en la misma medida en que lo hace la estética, y requiere por tanto de la máxima sutileza. En este contexto, la experiencia del océano y su travesía, encarnan a la perfección las tesis del artista. El océano, en tanto que universo extremadamente reducido, resulta atractivo como objeto, precisamente porque puede ser representado en su totalidad, sin que sea necesario delimitarlo aun tema concreto. Este proyecto artístico va acompañado de una vivencia intensa y profunda, como es navegar recorriendo por primera vez una ruta marítima de gran envergadura. En el aspecto estético, el autor profundiza en la imagen digital, si bien opta en esta ocasión por sustituir la estética de una cámara sencilla del teléfono digital por la de una cámara réflex “5D” profesional, frecuentemente utilizada, en la cual la estructura, la luz y el color alcanzan el rango de temas artísticos.

Janek Zamoyski (n.1978) es uno de los fundadores de la galería varsoviana Czułość, un grupo artístico que aglutina a diversos creadores jóvenes, de procedencia internacional, centrados en la problemática de la fotografía contemporánea. Czułość nació en 2010, convirtiéndose en seguida en lugar de culto para la juventud varsoviana. En la actualidad, su radio de acción traspasa las fronteras de la ciudad e incluso las nacionales: la galería cuenta con reconocimiento internacional y participa en las iniciativas más relevantes del arte contemporáneo en Polonia, así como en numerosos eventos en el extranjero.

Janek Zamoyski, comisario y productor de más de una decena de exposiciones, ha compaginado la dirección de la galería con la publicación de 4 libros y la organización de varias decenas de actividades de acompañamiento (conciertos, debates o encuentros con autores). Colabora, entre otros eventos, con el festival cracoviano Miesiąc Fotografii, en el que interviene desde 2011 como experto en la fase de selección de las muestras, y donde en 2012 fue comisario de la sección Show Off. Su exposición individual en la feria de arte contemporáneo Vienna fair The New Contemporary, en octubre de 2013, obtuvo el prestigioso premio a la mejor presentación en la categoría de galerías jóvenes.

En la obra de Janek Zamoyski la fotografía se convierte en una herramienta de creación de imágenes artísticas. El artista ahonda en las posibilidades que ofrece el medio fotográfico, recurriendo con frecuencia a imágenes sencillas, que reflejan su sensibilidad íntima. En tanto que obras de arte, sus fotografías se aproximan más, por su estética y forma, a la pintura o al dibujo, en ocasiones abstracto, que a la fotografía clásica, basada en una idea y un diseño.

Viví y trabajé en la región de los Balcanes, en Turquía y en el Cáucaso durante más de una década. Mi trabajo se centra en la yuxtaposición entre la crónica y la ficción, en explorar ideas sobre los conceptos de frontera, tierra, memoria, deseo, identidad e historia. Me interesa cómo se cuenta la historia y nociones como la periferia y el límite. Para mí la fotografía es un proceso de alfabetización, un viaje hacia el entendimiento.

Vanessa Winship

La fotografía de Vanessa Winship (Barton-upon-Humber, 1960) entabla un diálogo con la impronta del cambio de siglo sobre las personas y los territorios que estas transitan, con los largos procesos marcados por movimientos de desintegración e integración, por la volubilidad de las fronteras y la reafirmación de identidades. Sus imágenes, en ocasiones apoyadas en textos breves, ofrecen una mirada poética que aborda el efecto de la historia sobre lo cotidiano, menos inmediata (pero más duradera) que la del fotoperiodismo.

Desde que iniciara su trabajo en los Balcanes a finales de la década de 1990 hasta su obra más reciente en Almería, Winship se ha interesado por espacios en los que la presencia humana y el paisaje parecen desafiar los límites geopolíticos y los sucesos históricos. Todo el potencial y contenido documental de su fotografía se desplaza hacia nociones íntimas, como la vulnerabilidad, el cuerpo o la biografía. En sus series se puede trazar el modo en que se inscriben, en la piel, los rasgos o el vestido, normas, herencias, filiaciones nacionales y raciales o mandatos estatales; asimismo, la forma en la que en cada uno de los paisajes resiste inalterado a la historia o graba en su seno, mediante las ruinas de proyectos políticos o sociales, las heridas de un pasado reciente.

Esa doble naturaleza, entre la indagación documental y la pesquisa íntima, es clave en la obra de Winship. Tanto si sus imágenes muestran la inmediatez de un instante que casi escapa a la mirada, como si son el producto del posado de un modelo, contienen un elemento de autenticidad: el que es capaz de generar un sentimiento de lo común y compartido a través de una mirada a lo aparentemente ajeno y remoto.

Carlos Martín García
Comisario

El ciclo Inter-video reúne un variado panorama de narrativas y experiencias formales y conceptuales del vídeo arte contemporáneo. Las obras seleccionadas están articuladas en cuatro programas que reflexionan en torno a las ideas de antropología, memoria y temporalidad; identidades colectivas/identidades individuales; apropiaciones y ficciones; tiempo/espacio.

Comisaria: Yolanda Peralta Sierra

Programa 1: ANTROPOLOGÍA, MEMORIA Y TEMPORALIDAD.
1 de diciembre de 2015, 19.00 h

Kyungwoo Chun (Corea del Sur, 1969)

18 x 1 Minute, San Sebastián, 2004.

Antonio Perumanes (España, 1963)

Mortaja, 1995.

Ana Teresa Ortega (España, 1952)

Visiones de ignomínia, 2005

Rui Calçada Bastos (Portugal, 1971)

Studio Contents, 2005.

Programa 2: IDENTIDADES COLECTIVAS / IDENTIDADES INDIVIDUALES
19 de enero de 2016, 19.00 h

Marina Nuñez (España, 1966)

Sin título (Monstruas), 2005

Willie Doherty (Reino Unido, 1959)

Non-specific Threat, 2004

Anthony Goicolea (Estados Unidos, 1971)

Classroom, 2002

Tiago Carneiro da Cunha (Brasil, 1973)

Low Attention Span – High Curiosity Rare, 2000.

Programa 3: APROPIACIONES Y FICCIONES
16 de febrero de 2016, 19.00 h

Martin Sastre (Uruguay, 1976)

Montevideo-The Dark Side of the pop, 2004.

Carles Congost (España, 1970)

That’s my impression!, 2001.

Andrew Gaston (Reino Unido, 1971)

Heaven & Hell, 2003

Rui Calçada Bastos (Portugal, 1971)

Quadrifoglio, 2001.

Programa 4: TIEMPO/ESPACIO
1 de marzo de 2016, 19.00 h

Sergio Belinchón (España, 1971)

Space I, 2004

Aitor Ortiz (España, 1971)

Sin título (El espacio recuperado: “Tabacalera”), 2005.

Rachel Reupke (Reino Unido, 1971)

Parc Naturel, 2003

Michael Najjar (Alemania, 1966)

The invisible city. Serie Netropolis (2003-2005)

Con “Óxido”, al igual que con su reportaje “Detrás de la máscara”, Sara Yun hace una reflexión sobre la capacidad de lucha del ser humano. Si en el anterior trabajo la lucha era por amor, en esta ocasión es por la dignidad. Esta serie de imágenes muestra el día a día de cuatro de los veintidós tripulantes de un barco que ha sido abandonado por su armador en el Puerto de Luz de Las Palmas de Gran Canaria, a miles de kilómetros de sus hogares. El caso de Ismael Reyes (Cuba), Issa Sidi Fall (Mauritania), Mor Thiam (Senegal) y Pedro Leyva (Cuba) no es en absoluto un hecho aislado.Sin papeles, sin dinero y sin trabajo sobreviven gracias a la caridad de algunas personas y a la asociación Stella Maris, que les abastece con algunos víveres indispensables.

Invisibles ante la sociedad solo tienen dos opciones; rendirse y renunciar a lo que el armador José Antonio Gámez les debe o luchar por lo que les corresponde mediante la espera malviviendo en el barco.Esperando poder regresar a sus respectivos países para reunirse con sus familias, pasan los días. Los días se convierten en años; años a la deriva.

La prolongada situación de incertidumbre oxida no solo su salud, al no poder cubrir las necesidades básicas, sino también sus almas.En junio de 2014 se llevan al barco petrolero Iballa G a Turquía, Tuzla y no se sabe bien si es para desguace o para repararlo. Los marineros, que llevan ya cinco años viviendo en el petrolero, tienen que salir del barco y buscar un nuevo refugio. Sin haber cobrado aún el dinero que se les debe y siendo considerados inmigrantes ilegales, no tienen a donde ir.

Solo gracias a la ayuda desinteresada de algunas amistades que han ido haciendo durante su estancia en el puerto, consiguen tomar rumbo, cada uno por separado. A día de hoy siguen esperando que se haga justicia.

El Iballa G estaba abarloado en tercera fila junto a otros dos barcos que estaban también abandonados. El petrolero corrió el riesgo de hundirse una vez, pero la rápida actuación de los marineros, que cortaron los cabos que le unían al barco, ahora hundido, permitió que no ocurriera una tragedia.

Para llegar al Iballa G había que pasar por los otros dos barcos mencionados. Para subir al primero era necesario subir por una escalinata de cuerda y tablillas de unos diez metros. Para acceder al segundo había que saltar y agarrarse a una cuerda para no caer al mar. Por fin, para llegar al Iballa G se tenía que pasar por encima de una inestable plancha de metal.

Tres días antes de empezar esta serie fotográfica, falleció Birara Mellese (Etiopía) intentando pasar del primer al segundo barco. Esta serie va dedicada a él.

Esta exposición ha sido producida y patrocinada por Clece.

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Sara Yun nace en Las Palmas de Gran Canaria. Pasa su juventud en Madrid, donde realiza un ciclo superior de Realización, Producción y Reportaje Gráfico en la Escuela Superior de Imagen y Sonido CEV en 2002.Tras varios años dedicados al reportaje gráfico y sin dejar la televisión, en 2008 se introduce en el mundo de la fotografía. En 2011 queda finalista en el Concurso “Descubrimientos Photoespaña” con su serie “Detrás de la máscara”. En 2012 participa en el evento solidario Photobrick ofreciendo una ponencia en el Centro Atlántico de Arte Moderno en Las Palmas de Gran Canaria y 2013 forma parte de la mesa redonda “Cazadores de almas” en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

Su trabajo ha sido publicado en diferentes publicaciones, tales como Periodismo Humano, Piel de foto o F8 Magazine. Ha tomado parte de varios talleres y encuentros fotográficos con diversos fotógrafos de la talla de Juan Valbuena, Isabel Flores, Matías Costa, Boris Eldgasen, Pierre Gonnord o Javier Valhonrat, lo que ha enriquecido su cultura visual. En 2014 comienza a colaborar como profesora en la Escuela Canaria de Fotografía ECFI. Simultáneamente empieza a impartir talleres de fotografía por su cuenta.

Los protagonistas de la representación son habitantes de la isla de El Hierro, una selección de identidades diversas que intenta representar la sociedad herreña, destacando las peculiaridades antropológicas de sus habitantes. Haciendo énfasis en la idea de no-raza, de mestizaje racial y cultural y señalando los que hicieron la travesía Atlántica, los que emigraron.

La identidad canaria contemporánea no se entendería sin el viajero, el emigrante y el turista, sin la experiencia del viaje. La cartografía humana de las islas es una amalgama de razas y culturas que ha configurado nuestra idiosincrasia moderna.

La puesta en escena dispone aleatoriamente 200 retratos en el suelo de la primera cubierta del “Correíllo de la Palma”, invitando al espectador a recrear la sensación de hacinamiento y vértigo en la que viajaron los canarios a América durante la época mas dura de la emigración ilegal ( 1948-1950). En el suelo de la segunda cubierta se disponen otras doscientas siluetas, recordando   los que quedan atrás, esperando, los que desaparecen en el camino, los que nunca llegan. Un recuerdo a la memoria de los olvidados,  los ausentes, los que no tenían nada que perder.

No podemos entender la idea de civilización ni negociar la convivencia futura en nuestro mundo global, sin asumir nuestra responsabilidad con el drama del otro, con el miedo del desarraigado. No es aceptable que la diversidad sea planteada como un problema cuando es un rasgo de definición, compartido, una característica colectiva y una oportunidad de enriquecimiento

La instalación “paisanaje” nos recuerda que todos pertenecemos al mismo lugar y que la historia del emigrante es nuestra historia. La historia del hombre.