El objeto del concurso es la selección de diversas obras que serán adquiridas por el Cabildo Insular de Tenerife a través de TEA Tenerife Espacio de las Artes E.P.E.L. y que podrán ser exhibidas en diferentes lugares del Hotel Mencey, propiedad del Cabildo Insular de Tenerife, sito en el municipio de Santa Cruz de Tenerife y pasarán a formar parte de la colección del Centro de Fotografía Isla de Tenerife, adscrito a TEA Tenerife Espacio de las Artes E.P.E.L., para su difusión o exhibición de acuerdo a su programación artística. Podrán optar todos aquellos autores que así lo deseen, independientemente de su nacionalidad y lugar de residencia.

El tema del presente concurso queda reflejado en su título: Tenerife desvelado. Las obras deberán ser de paisajes que pongan en alza los valores intrínsecos del territorio insular y que habrán sido tomados por los autores de forma directa y real en la isla de Tenerife, distanciándose de tópicos y clichés, poniendo de relevancia otros paisajes y modos de mirar. Deberán carecer de posterior manipulación pictórica, por lo que las obras tendrán la consideración de “obras de autor”.

El “formato de la mancha” será obligatoriamente horizontal, con una relación de 2:3, y con unas dimensiones de 100×150 cm, al cual se dejará un margen de 2 centímetros en el contorno de la fotografía tomada, pudiéndose establecer, bajo este formato, diversas composiciones.. La técnica será: fotografía en blanco y negro tanto en formato digital como analógico. Se deberán presentar series de cinco fotografías con un máximo de dos series por participante. No se podrá utilizar retoque digital, salvo para la adecuación de los niveles de contraste y/o transformar una imagen en un formato de salida de cámara en formato digital (NEF, RAW) o de negativo en formato analógico a TIFF.

Las fotografías presentadas deberán ser originales y no haber sido premiadas, ni presentadas con anterioridad en ningún concurso o certamen, ni haber sido expuestas, publicadas, ni difundidas por cualquier otro medio o soporte.

Las series de cinco fotografías deberán enviarse en archivos RAW o TIFF con un mínimo de 200 dpi, acompañados de una impresión en papel fotográfico mate de un fragmento (a tamaño real) de la imagen que servirá como guía para su impresión definitiva. Vendrán acompañadas de un sobre cerrado, en el que en el exterior se especifique el título o lema que aparece en el CD/DVD que contenga los archivos digitales y que en su interior incluya la documentación solicitada. Las obras deberán presentarse antes de las 14:00 horas del día 5 de septiembre de 2011 en: Centro de Fotografía Isla de Tenerife -TEA Tenerife Espacio de Las Artes – Avda. San Sebastián, 8, C.P. 38003 Santa Cruz de Tenerife. Los criterios de valoración para la selección de los trabajos son los siguientes:

Creatividad: ………………………………. 25 puntos

Originalidad:……………………………… 20 puntos

Coherencia conceptual:……………….. 20 puntos

Calidad técnica:………………………….. 20 puntos

Adecuación al entorno expositivo:.. 15 puntos

Los premios será la adquisición de series de fotografías por orden decreciente de puntuación del siguiente modo: Las cuatro primeras puntuaciones se adquirirán a 4.000 euros cada serie de cinco fotos; Las cuatro siguientes a 3.000 euros cada serie de cinco fotos; Las cuatro siguientes a 2.000 euros cada serie de cinco fotos; Y las diez siguientes a 1.000 euros cada serie de cinco fotos. Los nombres de los autores premiados serán dados a conocer el 15 de septiembre. El Cabildo Insular de Tenerife adquirirá las obras seleccionadas con el derecho a realizar hasta tres reproducciones de las mismas.

Como actividad complementaria dentro de FOTONOVIEMBRE se organizan distintas visitas guiadas a las exposiciones del área metropolitana, así como a los almacenes del CFIT Centro de Fotografía Isla de Tenerife.

Aqui puedes consultar las fechas.
Para más informacion sobre  los horarios y para hacer la preinscripción para las visitas: Tel: 922 29 07 35

Descarga el catálogo de FOTONOVIEMBRE11

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Peter Piller, Casas Durmientes. Archivo de vistas aéreas, 2004.

Del 8 de noviembre de 2011 al 29 de enero de 2012
TEA Tenerife Espacio de las Artes, Sala A
C/ San Sebastián, 8
Santa Cruz de Tenerife
Tel: 922 849 090
Horario: M-D de 10:00 a 20:00 h.

Algo falta, algo se ha roto, el hilo del sentido parece perderse una y otra vez dentro del corte fotográfico, en ese acto automático de suspensión o interrupción que es toda fotografía. ¿Qué ha pasado? ¿Qué es lo que ocurrió? La forma del enigma y del suspense definen una temporalidad propia de la experiencia fotográfica, que se da siempre a través de una imagen a la que hemos llegado tarde.

¿Cuál es la historia? ¿Qué cuenta esta imagen? ¿Cómo hemos llegado aquí? Si la miro veo un corte coagulado, un fragmento detenido que sólo puede mostrar los indicios desordenados de un suceso ya ocurrido; una “escena del crimen”, cuyo sentido se encuentra suspendido, aplazado. Todo argumento adherido habrá de llamarse entonces testimonio. Toda palabra será una máscara superpuesta a una imagen cruda, para dotarla de un significado inteligible. Así, la leyenda o discurso que acompaña explícita o implícitamente a cada fotografía pende sobre el vacío de una imagen muda; los sentidos que queramos concederle se urden sobre un tejido roto.

 

Esta muestra trata de desplegar una interpretación en torno a una noción elemental que ha atormentado a la historia de la representación en el siglo XX: la indecibilidad de lo visual. La selección de obras fotográficas que se presenta circunscribe la problemática que genera esta idea al contexto particular de la fotografía, un medio que evidencia con especial fuerza la vieja escisión entre el ver y el decir.

A lo largo del siglo XX la fotografía se convirtió en una poderosa herramienta perceptiva, prácticamente en una prótesis de la conciencia. Dentro de la enorme mutación cultural que supuso la consecución de la modernidad, el medio fotográfico se mostró capaz de actuar como modelo del pensamiento y como potente recurso discursivo, idóneo para representar la nueva esfera pública que se fraguaba al ritmo de la industrialización capitalista. Sin embargo, todas aquellas instantáneas tomadas en las calles de las ciudades plasmando una nueva sociedad industrializada nos condujeron a un mismo lugar, desembocaron en una inquietante percepción. Fue Walter Benjamin quien nos hizo comprenderla: esencialmente nos mostraron el “escenario de un crimen”. Ese sitio al que se “llega tarde” para registrar los rastros de un acontecimiento pasado, ese “lugar abandonado por todos”, que para Benjamin constituía siempre una fotografía, define, más que ninguna otra figura, el núcleo de lo fotográfico, y determina la especial relación del medio con el acontecimiento y con el tiempo.

A modo de mito moderno, la figura benjaminana de la “escena del crimen” sintetiza la relación dialéctica que constituye el sustrato profundo de la fotografía: la constante tensión entre el elemento “visual puro” e instantáneo, y el “pie de foto”, como enunciado añadido a la imagen. Dicha tensión irresuelta se manifiesta bajo la forma del suspense, moderna modalidad de captación temporal que se origina al mismo tiempo que la fotografía. Si hay un conjunto de emociones o sensaciones que definitivamente pertenecen al orden de la tecnovisualidad son aquellas que se hallan asociadas al recurso del suspense; doble estructura deseo-insuficiencia, donde los indicios fragmentados de una visualidad irreductible parecen señalar siempre hacia un significado en fuga.

Esta exposición traza el rastro de esa tensión, explorando una serie de obras fotográficas dentro de Colección Ordóñez-Falcón de Fotografía que abarcan un amplio marco cronológico, desde comienzos del siglo pasado hasta la actualidad. Más allá de la mera aproximación semiológica al medio como un lenguaje autónomo, el recorrido de la muestra establece en cambio una lectura transversal de la fotografía como una pieza clave para comprender e interpretar el devenir social y el sentido de lo público en nuestras actuales sociedades.

Comisaria Teresa Arozena

Études de nu

Del 11 de noviembre al 3 de diciembre de 2011
Estudio Artizar
C/ San Agustín, 63 La Laguna. Tel: 922 265 858
Horario: L-V de 10:30 a 13:30 h. y de 17:00 a 20.30 h. S de 11:00 a 14:00 h.

Germaine Krull empezó a fotografiar desnudos, sobre todo femeninos, en Berlín al comenzar la década de los 20 del pasado siglo, y muchas de esas imágenes ilustraron publicaciones científicas y naturistas. Había tenido una educación tolerante y un tanto heterodoxa que no coartó sus hábitos e inclinaciones masculinas, lo que le dio el temple del varón para cuanto afrontó en la vida.

Instalada en París donde abrió su estudio en 1926, se casó con el director de cine Joris Ivens -admirador y seguidor de Eisenstein y de Flaherty y autor de Tierra de España (1936), estremecedor documento sobre la guerra española al que Hemingway puso la voz del narrador, cuyos trabajos para el documental El puente (1928) despertarán en ella la fascinación por una materia insólita: el paisaje industrial. Germaine Krull lo elevará a la condición de obra maestra en su libro Métal (1928). Durante los siguientes años practicará el fotoperiodismo, visitando Madrid al proclamarse la 2ª República. En París se relacionó activamente y fotografió a la élite intelectual francesa (Valéry, Gide, Malraux, Morand, Cocteau, Colette, etc.), así como a numerosos artistas y creadores (el actor Louis Jouvet, el director Jean Renoir, el fotógrafo Eli Lotar, los pintores Robert y Sonia Delaunay, etc.), aunque en muchos casos va a retratarlos de modo peculiar: La corbata de Félix Labisse, pintor surrealista; Las manos Arthur Honegger, compositor; La casa de Tristan Tzara, de Adolf Loos, etc.

Sin embargo, el desnudo seguirá siendo un motivo predilecto en la fotografía de Krull, que evolucionará de una visión de lo femenino marcada por el pictorialismo y las tendencias naturistas, a una expresión creativa y sensual en la que el cuerpo, a veces ciertamente masculinizado de la mujer, ofrece la imagen independiente y moderna, a la vez que seductora y misteriosa de una nueva feminidad.

En 1930 edita el portafolio Études de nu, con 24 fotograbados de desnudos, en cuyo texto de presentación va a intentar explicar qué significa para ella la fotografía y quién es el verdadero fotógrafo, aunque la finalidad de sus palabras fuera simplemente aclarar por qué hacía desnudos. Tal aclaración parece razonable al hilo del propio discurso teórico de Krull, donde presenta al fotógrafo como

“testigo de su época”, es decir el primer tercio del siglo XX, época socialmente convulsa y transformadora en la que el desnudo, tan allegado a la estética como distante de la ética (sus trabajos en este campo serán calificados de “sátiras de pornografía lesbiana”), no parecía testimoniar ninguna realidad política o sociológica.

GERMAINE KRULL

Tras la publicación de Métal en 1928, que reunía 64 fotografías sobre un tema tan esencialmente masculino como el paisaje industrial, la fotógrafa alemana Germaine Krull, llamada la “valquiria” de hierro, empezó a estar considerada, junto a André Kertész y Man Ray, entre los mejores fotógrafos de París. A comienzos de nuestra centuria, Métal va a ser reconocido como uno de los más importantes libros de fotografía del siglo XX.

Nacida en Wilda, en la frontera germano polaca, en 1897, Germaine Krull empezó sus estudios de fotografía en Munich, donde en 1918 abrió su estudio y donde trató a Rainer María Rilke y a Max Horkheimer. Militante socialista y defensora de los derechos e igualdad de la mujer, a finales de la década se afilia al Partido Comunista Alemán y su activismo político le lleva a ser expulsada de Baviera, de donde viaja a Rusia, para instalarse en Berlín en 1922. En 1926 llega a París y al año siguiente se casa con el documentalista holandés Joris Ivens, del que adquiere la nacionalidad. Su trabajo sobre desnudos, retratos y moda, se amplía al fotoperiodismo. Al estallar la guerra europea viaja a Brasil, de donde pasará a África -primero al Congo y luego a Argelia-, regresando a París al acabar la contienda. Después de un viaje al sureste asiático como corresponsal de guerra, en 1946 se instala en Bangkok donde permanece dos décadas como propietaria de un hotel, periodo durante el cual publica tres libros de fotografías sobre la región y colabora con André Malraux documentando el arte del sudeste de Asia. Al abandonar Tailandia vuelve a París, para al poco tiempo viajar a la India y convertirse a una secta del budismo. Su último gran proyecto fue un libro sobre los tibetanos en la India, publicado en 1968. Tras un accidente vascular ingresó en una residencia de ancianos en Alemania, donde muere en 1985.

EN COLABORACIÓN CON LA GALERÍA DE ARTE ESTUDIO ARTIZAR

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Del 9 de noviembre de 2011 al 15 de enero de 2012
En colaboración con el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM
TEA Tenerife Espacio de las Artes
Espacio Puente
C/ San Sebastián, 8
Santa Cruz de Tenerife
Tel: 922 849 090
Horario: M-D de 10:00 a 20:00 h.

La exposición Hetaira, cartografías literarias, muestra la obra reciente de Alexis W, dedicada a las sexo servidoras, como crítica a la situación social de la explotación sexual de la mujer en Europa. El proyecto continúa una línea de investigación que el artista lleva desarrollando desde el 2003, la cual se adentra en las percepciones que del cuerpo y la sexualidad se tiene en el universo occidental europeo, en las diversas fases de su proyecto La ventana indiscreta.

Alexis W penetra desde esta “pragmática de fotográfica mirada crítica” en otro de sus senderos: el Retrato. En este caso, nos introduce y abraza con un retrato de aquella cara o rostro que nuestra sociedad no quiere ver de su propia sexualidad hipócrita. Y este es… el retrato -disfrazado tras la máscara efímera de la rebeldía- de la Prostitución Femenina. Veinticuatro mujeres de la asociación de prostitutas de Madrid que se reivindican putas, que hacen con su cuerpo lo que quieren y que no necesita que nadie las redima ni las salve, son las protagonistas de la representación.

Las chicas se refugian detrás de máscaras construidas por ellas mismas para la primera manifestación por los derechos de las mujeres trabajadoras cebrada en este país (Madrid, febrero de 2002).

Hetaira, cartografías literarias es un proyecto de Alexis W que nace como parte de su intervención pública La Ventana Indiscreta VIII(Madrid, 2010) y luego crece hacia vínculos literarios y sociales,de los cuales, esta exhibición y la publicación que le acompaña en calidad de primicia, son sólo fragmentos.

El autor ha articulado una especie de encuentro literario paralelo
a la muestra donde 74 autores de diferentes ámbitos de la escritura, el cine, el periodismo, la música, la crítica de arte o las mismas protagonistas de la representación ficcionan sobre el tema de la prostitución. El resultado de este taller es un libro de relatos que convierten la edición en un espacio de debate donde conviven las posturas más encontradas sobre el asunto.

ALEXIS W
El Hierro, 1972

El trabajo de Alexis W. se centra fundamentalmente, en el uso de la fotografía como soporte y medio discursivo, a partir del cual investiga la realidad que le rodea: sus complejidades, paradojas y también sus virtudes. En este sentido parte de la producción visual gira en torno al universo de la identidad y la sexualidad, entendida esta última como construcción cultural sujeta a un grupo de normativas y de premisas sociales que articulan las múltiples nociones del deseo. Busca advertir las contradicciones y las complejidades del ser humano inscrito en un ámbito social y cultural que es complejo en sí mismo. De tal suerte sus proyectos viajan en varias direcciones en lo tocante a la representación: desde el fisgoneo en la intimidad del ámbito privado (con todas sus prácticas cotidianas) hasta las complejidades del retrato en tanto género que permite una indagación y desmontaje de la identidad en términos no solo humanos, sino culturales. El desnudo en su directa relación con el paisaje, los órdenes menos ortodoxos de la sexualidad y el deseo son algunos ejes conceptuales sobre los que se articula la obra. La ventana indiscreta (con sus nueve ediciones) es, visto de este modo, el proyecto rector que organiza las líneas discursivas del trabajo.

EN COLABORACIÓN CON EL CENTRO ATLÁNTICO DE ARTE MODERNO – CAAM – CABILDO DE GRAN CANARIA

Antiguo Hotel Tacoronte

El 23 de marzo de 1911 el rey Alfonso XIII concedió al pueblo de Tacoronte el título de Ciudad. Desde entonces lo que era una zona agrícola no ha dejado de crecer. La puesta en marcha del tranvía o el simbólico Hotel Camacho confirieron al lugar un estatus reconocido entre el resto de municipios y ayudaron a su desarrollo.

Ante este hecho histórico un grupo de ciudadanos comprometidos con el pasado, presente y futuro del municipio deciden constituir la Comisión Ciudadana Tacoronte 100 años de Ciudad, para la realización de actividades que realcen tan digna efemérides y sean eje de todas las propuestas a desarrollar a lo largo de 2011.

La exposición que aquí presentamos nos muestra, en un recorrido a través de una serie de fotografías recuperadas para la ocasión, cómo era la vida en el municipio desde principios del siglo XX hasta el XXI. Tomas de personas, de trabajos tradicionales, del campo, paisajes naturales y urbanos, etc. Una retrospectiva muy interesante de los barrios de la zona, imágenes donde se puede ver cómo era la vida en aquellos años y la evolución hacia el momento actual.

Comisión Ciudadana Tacoronte 100 años

(Enrique Acosta, José Damas, Juan Luis Maury, Harold Rivero)

24 sobre Veinticuatro es la muestra de las 24 horas de un día, en la vida de veinticuatro personas con discapacidad intelectual. Su objetivo es reflejar el quehacer cotidiano de este colectivo y su normalización en cualquiera de las actividades de la vida, cuandose encuentran integrados social y culturalmente. Podemos observarlos colaborando en las tareas domésticas, realizando trabajos encomendados, desarrollando su creatividad en el Taller Giro-Arte, visitando exposiciones… Y siempre con el mismo ánimo e interés que cualquier persona pondría en el desempeño de su trabajo.

Las fotografías han sido impresas sobre papel para técnicas pictóricas y pintadas con ceras grasas, obviando en muchos casos los fondos para resaltar a sus autores y protagonistas.

TALLER DE ARTES PLÁSTICAS GIRO-ARTE

SINPROMI S.L., Sociedad Insular para la Promoción de las Personas con Discapacidad, entidad perteneciente al Cabildo Insular de Tenerife, continuando con el desarrollo de los objetivos dirigidos a favorecer la igualdad de oportunidades para este colectivo, inicia en noviembre de 1995 una experiencia creativa con el fin de crear un Taller plástico-artístico.

A través de la formación recibida por los monitores para impartir una metodología específica para personas con discapacidad, se crea en 1998 un Taller de Artes Plásticas permanente destinado a personas con discapacidad intelectual y con inquietudes artísticas.

Esta experiencia ha permitido a los alumnos expresar la percepción del entorno, desarrollando sus capacidades creativas y confirmando que “el Arte es patrimonio de todos sin exclusión.” Asimismo, el Taller promueve la autonomía personal y la autoestima, fomentando la normalización social.

Giro-Arte se establece definitivamente en la Casa-Taller “El Sauce”, perteneciente al Cabildo de Tenerife y situada en la calle Marqués de Celada nº 9 de La Laguna. El Taller abre una Sala de Exposiciones permanente, donde se exhiben las obras de los alumnos-autores, convirtiéndose en espacio abierto a exposiciones de otros artistas externos al Taller.

Giro-Arte ha realizado veinte exposiciones colectivas, recibiendo premios y distinciones otorgadas en distintas exposiciones colectivas realizadas en Tenerife y otras ciudades de España.

Comisaria Marta Von Poroszlay

EN COLABORACIÓN CON SINPROMI

Clo en la ventana. La Celle-Saint-Cloud, 1933

Pitou es el nombre con el que familiarmente llamaban a Emmanuel Sougez (1889-1982). Su pseudónimo da nombre a esta selección de fotos familiares previas a la II Guerra Mundial prácticamente inéditas. Emmanuel retrataba a sus dos hijas: la mayor Clo, atractiva y esbelta, a la que capta en distintas ocasiones con gran vigor estético, en la playa, como una nadadora moderna, en el balcón, como una actriz de Hollywood; y la pequeña Marie-Loup, quince años más joven, vestida de carnaval, desafiante ante la cámara. También captó a su esposa Madeleine, fallecida en 1945.

Sougez nació en Burdeos en 1889. Tras estudiar Bellas Artes, abandonó la pintura por la fotografía y hasta 1914 se formó como profesional en varias empresas de París, Alemania y Suiza. En 1926 fundó el servicio fotográfico de L’llIustration. Además de la Rolleiflex y las cámaras de gran formato en blanco y negro, utilizó la autocroma, colaboró con Clare Finlay en la puesta a punto de su procedimiento color, así como con Maurice Bonnet en su técnica del relieve.

Fue asesor de diversos proyectos científicos, como el Crucero Amarillo de Citroën.

Coordinó los suplementos fotográficos de Arts et Métiers Graphiques, trabajó en publicidad e ilustró numerosos libros y carpetas de arte y arqueología. Realizó colaboraciones en diversos medios de comunicación con artículos sobre teoría y práctica de la fotografía. Es autor de dos libros infantiles: Regarde! (1931) y Alphabet (1932). Considerado como un autor de referencia en la historia de la fotografía francesa, su obra ha sido objeto de exposiciones en los más importantes espacios de arte y museos del mundo. Sougez era un maestro del reportaje, del bodegón y del desnudo femenino. Poseía un talento especial para la composición y tenía una visión poética incomparable.

La muestra, en colaboración con el Ayuntamiento de Zaragoza, presenta una selección de imágenes de Sougez en las que se aprecia su maestría para la composición y la creación de atmósferas, con una visión poética incomparable.

Comisario Antonio Ansón

EN COLABORACIÓN CON EL ÁREA DE CULTURA DEL AYUNTAMIENTO DE ZARAGOZA