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Peter Piller, Casas Durmientes. Archivo de vistas aéreas, 2004.

Del 8 de noviembre de 2011 al 29 de enero de 2012
TEA Tenerife Espacio de las Artes, Sala A
C/ San Sebastián, 8
Santa Cruz de Tenerife
Tel: 922 849 090
Horario: M-D de 10:00 a 20:00 h.

Algo falta, algo se ha roto, el hilo del sentido parece perderse una y otra vez dentro del corte fotográfico, en ese acto automático de suspensión o interrupción que es toda fotografía. ¿Qué ha pasado? ¿Qué es lo que ocurrió? La forma del enigma y del suspense definen una temporalidad propia de la experiencia fotográfica, que se da siempre a través de una imagen a la que hemos llegado tarde.

¿Cuál es la historia? ¿Qué cuenta esta imagen? ¿Cómo hemos llegado aquí? Si la miro veo un corte coagulado, un fragmento detenido que sólo puede mostrar los indicios desordenados de un suceso ya ocurrido; una “escena del crimen”, cuyo sentido se encuentra suspendido, aplazado. Todo argumento adherido habrá de llamarse entonces testimonio. Toda palabra será una máscara superpuesta a una imagen cruda, para dotarla de un significado inteligible. Así, la leyenda o discurso que acompaña explícita o implícitamente a cada fotografía pende sobre el vacío de una imagen muda; los sentidos que queramos concederle se urden sobre un tejido roto.

 

Esta muestra trata de desplegar una interpretación en torno a una noción elemental que ha atormentado a la historia de la representación en el siglo XX: la indecibilidad de lo visual. La selección de obras fotográficas que se presenta circunscribe la problemática que genera esta idea al contexto particular de la fotografía, un medio que evidencia con especial fuerza la vieja escisión entre el ver y el decir.

A lo largo del siglo XX la fotografía se convirtió en una poderosa herramienta perceptiva, prácticamente en una prótesis de la conciencia. Dentro de la enorme mutación cultural que supuso la consecución de la modernidad, el medio fotográfico se mostró capaz de actuar como modelo del pensamiento y como potente recurso discursivo, idóneo para representar la nueva esfera pública que se fraguaba al ritmo de la industrialización capitalista. Sin embargo, todas aquellas instantáneas tomadas en las calles de las ciudades plasmando una nueva sociedad industrializada nos condujeron a un mismo lugar, desembocaron en una inquietante percepción. Fue Walter Benjamin quien nos hizo comprenderla: esencialmente nos mostraron el “escenario de un crimen”. Ese sitio al que se “llega tarde” para registrar los rastros de un acontecimiento pasado, ese “lugar abandonado por todos”, que para Benjamin constituía siempre una fotografía, define, más que ninguna otra figura, el núcleo de lo fotográfico, y determina la especial relación del medio con el acontecimiento y con el tiempo.

A modo de mito moderno, la figura benjaminana de la “escena del crimen” sintetiza la relación dialéctica que constituye el sustrato profundo de la fotografía: la constante tensión entre el elemento “visual puro” e instantáneo, y el “pie de foto”, como enunciado añadido a la imagen. Dicha tensión irresuelta se manifiesta bajo la forma del suspense, moderna modalidad de captación temporal que se origina al mismo tiempo que la fotografía. Si hay un conjunto de emociones o sensaciones que definitivamente pertenecen al orden de la tecnovisualidad son aquellas que se hallan asociadas al recurso del suspense; doble estructura deseo-insuficiencia, donde los indicios fragmentados de una visualidad irreductible parecen señalar siempre hacia un significado en fuga.

Esta exposición traza el rastro de esa tensión, explorando una serie de obras fotográficas dentro de Colección Ordóñez-Falcón de Fotografía que abarcan un amplio marco cronológico, desde comienzos del siglo pasado hasta la actualidad. Más allá de la mera aproximación semiológica al medio como un lenguaje autónomo, el recorrido de la muestra establece en cambio una lectura transversal de la fotografía como una pieza clave para comprender e interpretar el devenir social y el sentido de lo público en nuestras actuales sociedades.

Comisaria Teresa Arozena

Études de nu

Del 11 de noviembre al 3 de diciembre de 2011
Estudio Artizar
C/ San Agustín, 63 La Laguna. Tel: 922 265 858
Horario: L-V de 10:30 a 13:30 h. y de 17:00 a 20.30 h. S de 11:00 a 14:00 h.

Germaine Krull empezó a fotografiar desnudos, sobre todo femeninos, en Berlín al comenzar la década de los 20 del pasado siglo, y muchas de esas imágenes ilustraron publicaciones científicas y naturistas. Había tenido una educación tolerante y un tanto heterodoxa que no coartó sus hábitos e inclinaciones masculinas, lo que le dio el temple del varón para cuanto afrontó en la vida.

Instalada en París donde abrió su estudio en 1926, se casó con el director de cine Joris Ivens -admirador y seguidor de Eisenstein y de Flaherty y autor de Tierra de España (1936), estremecedor documento sobre la guerra española al que Hemingway puso la voz del narrador, cuyos trabajos para el documental El puente (1928) despertarán en ella la fascinación por una materia insólita: el paisaje industrial. Germaine Krull lo elevará a la condición de obra maestra en su libro Métal (1928). Durante los siguientes años practicará el fotoperiodismo, visitando Madrid al proclamarse la 2ª República. En París se relacionó activamente y fotografió a la élite intelectual francesa (Valéry, Gide, Malraux, Morand, Cocteau, Colette, etc.), así como a numerosos artistas y creadores (el actor Louis Jouvet, el director Jean Renoir, el fotógrafo Eli Lotar, los pintores Robert y Sonia Delaunay, etc.), aunque en muchos casos va a retratarlos de modo peculiar: La corbata de Félix Labisse, pintor surrealista; Las manos Arthur Honegger, compositor; La casa de Tristan Tzara, de Adolf Loos, etc.

Sin embargo, el desnudo seguirá siendo un motivo predilecto en la fotografía de Krull, que evolucionará de una visión de lo femenino marcada por el pictorialismo y las tendencias naturistas, a una expresión creativa y sensual en la que el cuerpo, a veces ciertamente masculinizado de la mujer, ofrece la imagen independiente y moderna, a la vez que seductora y misteriosa de una nueva feminidad.

En 1930 edita el portafolio Études de nu, con 24 fotograbados de desnudos, en cuyo texto de presentación va a intentar explicar qué significa para ella la fotografía y quién es el verdadero fotógrafo, aunque la finalidad de sus palabras fuera simplemente aclarar por qué hacía desnudos. Tal aclaración parece razonable al hilo del propio discurso teórico de Krull, donde presenta al fotógrafo como

“testigo de su época”, es decir el primer tercio del siglo XX, época socialmente convulsa y transformadora en la que el desnudo, tan allegado a la estética como distante de la ética (sus trabajos en este campo serán calificados de “sátiras de pornografía lesbiana”), no parecía testimoniar ninguna realidad política o sociológica.

GERMAINE KRULL

Tras la publicación de Métal en 1928, que reunía 64 fotografías sobre un tema tan esencialmente masculino como el paisaje industrial, la fotógrafa alemana Germaine Krull, llamada la “valquiria” de hierro, empezó a estar considerada, junto a André Kertész y Man Ray, entre los mejores fotógrafos de París. A comienzos de nuestra centuria, Métal va a ser reconocido como uno de los más importantes libros de fotografía del siglo XX.

Nacida en Wilda, en la frontera germano polaca, en 1897, Germaine Krull empezó sus estudios de fotografía en Munich, donde en 1918 abrió su estudio y donde trató a Rainer María Rilke y a Max Horkheimer. Militante socialista y defensora de los derechos e igualdad de la mujer, a finales de la década se afilia al Partido Comunista Alemán y su activismo político le lleva a ser expulsada de Baviera, de donde viaja a Rusia, para instalarse en Berlín en 1922. En 1926 llega a París y al año siguiente se casa con el documentalista holandés Joris Ivens, del que adquiere la nacionalidad. Su trabajo sobre desnudos, retratos y moda, se amplía al fotoperiodismo. Al estallar la guerra europea viaja a Brasil, de donde pasará a África -primero al Congo y luego a Argelia-, regresando a París al acabar la contienda. Después de un viaje al sureste asiático como corresponsal de guerra, en 1946 se instala en Bangkok donde permanece dos décadas como propietaria de un hotel, periodo durante el cual publica tres libros de fotografías sobre la región y colabora con André Malraux documentando el arte del sudeste de Asia. Al abandonar Tailandia vuelve a París, para al poco tiempo viajar a la India y convertirse a una secta del budismo. Su último gran proyecto fue un libro sobre los tibetanos en la India, publicado en 1968. Tras un accidente vascular ingresó en una residencia de ancianos en Alemania, donde muere en 1985.

EN COLABORACIÓN CON LA GALERÍA DE ARTE ESTUDIO ARTIZAR

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Del 9 de noviembre de 2011 al 15 de enero de 2012
En colaboración con el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM
TEA Tenerife Espacio de las Artes
Espacio Puente
C/ San Sebastián, 8
Santa Cruz de Tenerife
Tel: 922 849 090
Horario: M-D de 10:00 a 20:00 h.

La exposición Hetaira, cartografías literarias, muestra la obra reciente de Alexis W, dedicada a las sexo servidoras, como crítica a la situación social de la explotación sexual de la mujer en Europa. El proyecto continúa una línea de investigación que el artista lleva desarrollando desde el 2003, la cual se adentra en las percepciones que del cuerpo y la sexualidad se tiene en el universo occidental europeo, en las diversas fases de su proyecto La ventana indiscreta.

Alexis W penetra desde esta “pragmática de fotográfica mirada crítica” en otro de sus senderos: el Retrato. En este caso, nos introduce y abraza con un retrato de aquella cara o rostro que nuestra sociedad no quiere ver de su propia sexualidad hipócrita. Y este es… el retrato -disfrazado tras la máscara efímera de la rebeldía- de la Prostitución Femenina. Veinticuatro mujeres de la asociación de prostitutas de Madrid que se reivindican putas, que hacen con su cuerpo lo que quieren y que no necesita que nadie las redima ni las salve, son las protagonistas de la representación.

Las chicas se refugian detrás de máscaras construidas por ellas mismas para la primera manifestación por los derechos de las mujeres trabajadoras cebrada en este país (Madrid, febrero de 2002).

Hetaira, cartografías literarias es un proyecto de Alexis W que nace como parte de su intervención pública La Ventana Indiscreta VIII(Madrid, 2010) y luego crece hacia vínculos literarios y sociales,de los cuales, esta exhibición y la publicación que le acompaña en calidad de primicia, son sólo fragmentos.

El autor ha articulado una especie de encuentro literario paralelo
a la muestra donde 74 autores de diferentes ámbitos de la escritura, el cine, el periodismo, la música, la crítica de arte o las mismas protagonistas de la representación ficcionan sobre el tema de la prostitución. El resultado de este taller es un libro de relatos que convierten la edición en un espacio de debate donde conviven las posturas más encontradas sobre el asunto.

ALEXIS W
El Hierro, 1972

El trabajo de Alexis W. se centra fundamentalmente, en el uso de la fotografía como soporte y medio discursivo, a partir del cual investiga la realidad que le rodea: sus complejidades, paradojas y también sus virtudes. En este sentido parte de la producción visual gira en torno al universo de la identidad y la sexualidad, entendida esta última como construcción cultural sujeta a un grupo de normativas y de premisas sociales que articulan las múltiples nociones del deseo. Busca advertir las contradicciones y las complejidades del ser humano inscrito en un ámbito social y cultural que es complejo en sí mismo. De tal suerte sus proyectos viajan en varias direcciones en lo tocante a la representación: desde el fisgoneo en la intimidad del ámbito privado (con todas sus prácticas cotidianas) hasta las complejidades del retrato en tanto género que permite una indagación y desmontaje de la identidad en términos no solo humanos, sino culturales. El desnudo en su directa relación con el paisaje, los órdenes menos ortodoxos de la sexualidad y el deseo son algunos ejes conceptuales sobre los que se articula la obra. La ventana indiscreta (con sus nueve ediciones) es, visto de este modo, el proyecto rector que organiza las líneas discursivas del trabajo.

EN COLABORACIÓN CON EL CENTRO ATLÁNTICO DE ARTE MODERNO – CAAM – CABILDO DE GRAN CANARIA

Antiguo Hotel Tacoronte

El 23 de marzo de 1911 el rey Alfonso XIII concedió al pueblo de Tacoronte el título de Ciudad. Desde entonces lo que era una zona agrícola no ha dejado de crecer. La puesta en marcha del tranvía o el simbólico Hotel Camacho confirieron al lugar un estatus reconocido entre el resto de municipios y ayudaron a su desarrollo.

Ante este hecho histórico un grupo de ciudadanos comprometidos con el pasado, presente y futuro del municipio deciden constituir la Comisión Ciudadana Tacoronte 100 años de Ciudad, para la realización de actividades que realcen tan digna efemérides y sean eje de todas las propuestas a desarrollar a lo largo de 2011.

La exposición que aquí presentamos nos muestra, en un recorrido a través de una serie de fotografías recuperadas para la ocasión, cómo era la vida en el municipio desde principios del siglo XX hasta el XXI. Tomas de personas, de trabajos tradicionales, del campo, paisajes naturales y urbanos, etc. Una retrospectiva muy interesante de los barrios de la zona, imágenes donde se puede ver cómo era la vida en aquellos años y la evolución hacia el momento actual.

Comisión Ciudadana Tacoronte 100 años

(Enrique Acosta, José Damas, Juan Luis Maury, Harold Rivero)

24 sobre Veinticuatro es la muestra de las 24 horas de un día, en la vida de veinticuatro personas con discapacidad intelectual. Su objetivo es reflejar el quehacer cotidiano de este colectivo y su normalización en cualquiera de las actividades de la vida, cuandose encuentran integrados social y culturalmente. Podemos observarlos colaborando en las tareas domésticas, realizando trabajos encomendados, desarrollando su creatividad en el Taller Giro-Arte, visitando exposiciones… Y siempre con el mismo ánimo e interés que cualquier persona pondría en el desempeño de su trabajo.

Las fotografías han sido impresas sobre papel para técnicas pictóricas y pintadas con ceras grasas, obviando en muchos casos los fondos para resaltar a sus autores y protagonistas.

TALLER DE ARTES PLÁSTICAS GIRO-ARTE

SINPROMI S.L., Sociedad Insular para la Promoción de las Personas con Discapacidad, entidad perteneciente al Cabildo Insular de Tenerife, continuando con el desarrollo de los objetivos dirigidos a favorecer la igualdad de oportunidades para este colectivo, inicia en noviembre de 1995 una experiencia creativa con el fin de crear un Taller plástico-artístico.

A través de la formación recibida por los monitores para impartir una metodología específica para personas con discapacidad, se crea en 1998 un Taller de Artes Plásticas permanente destinado a personas con discapacidad intelectual y con inquietudes artísticas.

Esta experiencia ha permitido a los alumnos expresar la percepción del entorno, desarrollando sus capacidades creativas y confirmando que “el Arte es patrimonio de todos sin exclusión.” Asimismo, el Taller promueve la autonomía personal y la autoestima, fomentando la normalización social.

Giro-Arte se establece definitivamente en la Casa-Taller “El Sauce”, perteneciente al Cabildo de Tenerife y situada en la calle Marqués de Celada nº 9 de La Laguna. El Taller abre una Sala de Exposiciones permanente, donde se exhiben las obras de los alumnos-autores, convirtiéndose en espacio abierto a exposiciones de otros artistas externos al Taller.

Giro-Arte ha realizado veinte exposiciones colectivas, recibiendo premios y distinciones otorgadas en distintas exposiciones colectivas realizadas en Tenerife y otras ciudades de España.

Comisaria Marta Von Poroszlay

EN COLABORACIÓN CON SINPROMI

Clo en la ventana. La Celle-Saint-Cloud, 1933

Pitou es el nombre con el que familiarmente llamaban a Emmanuel Sougez (1889-1982). Su pseudónimo da nombre a esta selección de fotos familiares previas a la II Guerra Mundial prácticamente inéditas. Emmanuel retrataba a sus dos hijas: la mayor Clo, atractiva y esbelta, a la que capta en distintas ocasiones con gran vigor estético, en la playa, como una nadadora moderna, en el balcón, como una actriz de Hollywood; y la pequeña Marie-Loup, quince años más joven, vestida de carnaval, desafiante ante la cámara. También captó a su esposa Madeleine, fallecida en 1945.

Sougez nació en Burdeos en 1889. Tras estudiar Bellas Artes, abandonó la pintura por la fotografía y hasta 1914 se formó como profesional en varias empresas de París, Alemania y Suiza. En 1926 fundó el servicio fotográfico de L’llIustration. Además de la Rolleiflex y las cámaras de gran formato en blanco y negro, utilizó la autocroma, colaboró con Clare Finlay en la puesta a punto de su procedimiento color, así como con Maurice Bonnet en su técnica del relieve.

Fue asesor de diversos proyectos científicos, como el Crucero Amarillo de Citroën.

Coordinó los suplementos fotográficos de Arts et Métiers Graphiques, trabajó en publicidad e ilustró numerosos libros y carpetas de arte y arqueología. Realizó colaboraciones en diversos medios de comunicación con artículos sobre teoría y práctica de la fotografía. Es autor de dos libros infantiles: Regarde! (1931) y Alphabet (1932). Considerado como un autor de referencia en la historia de la fotografía francesa, su obra ha sido objeto de exposiciones en los más importantes espacios de arte y museos del mundo. Sougez era un maestro del reportaje, del bodegón y del desnudo femenino. Poseía un talento especial para la composición y tenía una visión poética incomparable.

La muestra, en colaboración con el Ayuntamiento de Zaragoza, presenta una selección de imágenes de Sougez en las que se aprecia su maestría para la composición y la creación de atmósferas, con una visión poética incomparable.

Comisario Antonio Ansón

EN COLABORACIÓN CON EL ÁREA DE CULTURA DEL AYUNTAMIENTO DE ZARAGOZA

La migración canaria a Venezuela es la historia de una sucesión constante de cadenas y vínculos de afinidad social y parentesco que vinculan a las Islas Canarias con el País del Orinoco durante cinco siglos. Aunque en las primeras décadas del siglo XX, el destino preferente de los isleños fue la Perla del Caribe, las relaciones con Venezuela no se cortan a pesar de la grave crisis cafetalera de fines del siglo XIX y comienzos del XX y la vertiginosa expansión cubana, que lleva a no pocos canarios establecidos en ese país a desplazarse a la isla antillana. En los años veinte, en plena dictadura de Juan Vicente Gómez, el país del Orinoco se transforma en el mayor productor de petróleo del mundo con concesiones onerosas para la economía nacional a compañías norteamericanas, británicas y holandesas. El Estado Zulia y el entorno del Lago Maracaibo se convierten en los pulmones económicos de ese auge económico.

La historia de la familia icodense Fajardo responde a los patrones migratorios de tantos isleños. Cuatro hermanos Fajardo Real emigraron a Venezuela en la segunda década del siglo XX: Rodrigo, del que se ignora su paradero y se piensa que pasó a Colombia, dejando descendencia de lo que nada se supo migración, Darío y Diego, el padre de Álvaro, que cruzó el charco en 1912, retornando pocos años después. Allí dirigió la Orquestina Canaria.

Darío emigraría a Venezuela antes de la Primera Guerra Mundial. Se estableció en la expansiva localidad petrolera de los Puertos de Altagracia en el entorno del Lago Maracaibo, en el Estado Zulia. Ejercería como Jefe de Telégrafos del Estado Falcón y como secretario de la municipalidad del distrito Miranda, donde fue una persona muy apreciada por su labor en pro del arbolado y embellecimiento de jardines, parques y plazas. A su fallecimiento el pueblo de Altagracia y su Consejo municipal le tributó un emocionado homenaje que quedó reflejado en el periódico Mauroa de 2 de agosto de 1934, dedicado íntegramente a su persona.

Sería precisamente Darío el que reclamaría a su sobrino Álvaro Fajardo Aguiar, el que fuera artífice y propietario de las fotos de la que es objeto esta exposición. En 1921 se trasladó a Venezuela, donde residió durante siete años hasta que en 1927 retornó a su isla natal. Durante su estancia en el País del Orinoco trabajó para la compañía petrolífera norteamericana Standard Oil Company, que estaba instalada en los Puertos de Altagracia (Estado Zulia) dedicada a la extracción de petróleo en los pozos del área. Tras su vuelta a Tenerife se dedica a actividades mercantiles y a la explotación de una finca de plátanos en el barranco de “El cuarto”. Fue concejal del Ayuntamiento de Icod y consejero del Cabildo de Tenerife. En 1950 retornó a Venezuela, pero tuvo que regresar al poco tiempo, afectado por una dolencia cardiaca, de la que fallecería a los 49 años de edad.

Álvaro Fajardo Aguiar a través de sus fotografías nos muestra los paisajes venezolanos y los comienzos de la industria petrolífera.

En su realización contó con la ayuda de sus parientes Darío Fajardo Real y Hernán Fajardo González. Pero no se contenta solo con captar los nuevos pozos, sino el medio en que esta industria se desarrolla, la localidad en que tiene lugar y la vida cotidiana de sus gentes. Nos revela instantáneas precisas de sus trabajos y labores diarias, pero también de los protagonistas de las extracciones, de los técnicos norteamericanos y sus familias, por un lado, pero también de los indios que en aquellos momentos llevaban todo el peso de las faenas más arduas. Es un testimonio de primera mano para adentrarnos en unas fotografías no exentas de calidad estética, en los balbuceos de un explotación que en el País del Orinoco tuvo como básicos protagonistas a los venezolanos en una época como la de Gómez en la que la migración prácticamente estaba cerradas, pero en la que, pese a tales restricciones, hubo algunos canarios, como fielmente nos descubre la cámara de Álvaro Fajardo.

EN COLABORACIÓN CON EL CEDOCAM (OAMC)

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Itálica

Cada viaje es el mismo viaje fluyendo hacia el mero encuentro. El nómada quedó atrapado en la esencia del propio ser, como si de una máquina procesadora de imágenes se tratase. Imaginación poética haciendo cooperar dos funciones del psiquismo humano: función de lo real y función de lo irreal, que dinamiza el lenguaje por la doble acción y significación de la poesía. Vestigios de la Memoria es un reflejo del subconsciente, lienzos fotográficos desvelando secretos de esos lugares ocultos, que de una forma u otra, cohabitan. Las imágenes son modeladas por los valores táctiles de sus sombras, ese es su ser camuflado por el color, en un íntimo combate entre la calma y la solidez del volumen. La retina es un trozo de piel con la capacidad innata de tocar la luz en el tiempo detenido. Rescatar ese Edén que ya es patrimonio de la memoria y presentarlo como un cuaderno de bitácora sobre el sueño del hombre en la naturaleza. Ese, es el fin último de esta serie.

Kolman – Skop

TAREK ODE

Nació en Santa Cruz de Tenerife. Titulado como Técnico Especialista en Imagen y Sonido y Técnico Superior en Fotografía. Ha realizado también estudios de Filosofía. En el ámbito artístico ha sido becado por el Centro de Fotografía Isla de Tenerife, por el Cabildo Insular de Tenerife y por la Ciudad Internacional de las Artes de París. Desde 1993 expone regularmente su obra a nivel nacional e internacional. Ha sido seleccionado en diversos festivales nacionales e internacionales como La Primavera Fotográfica de Cataluña, Fotonoviembre en Tenerife, Festival Internacional de Arles (Francia); Encontros da Imagem, Braga (Portugal), Photho District (New York), Festival Op. Art-Quisisana (Croacia). Su obra está presente en diversas colecciones nacionales e internacionales de galerías, museos y particulares. Cuenta con diversos libros publicados como: Diario de un Sueño; Interiores; París; San Borondón: “la isla descubierta”; Retratos; Ciudades; París-Venecia; “Sáhara” Tomás Azcárate Ristori; entre otros. Ha dirigido el cortometraje La Spiral que ha obtenido el premio a la mejor fotografía en el Festival Internacional “Ateneo en Corto”. El segundo premio de Cortometrajes de Canarias y la selección oficial en el Festival Internacional de Cine de Tapiales en Argentina. Como escritor ha publicado el poemario “Donde los Monos hacen lo que ven” que ya cuenta con su segunda edición y la novela “Aliento”.

Recientemente se ha clausurado su último proyecto Sáhara de Tomás Azcárate Ristori expuesto en TEA y en el Museo de Historia de Tenerife. En el mes de junio participa en una exposición en Bélgica, Gent, sobre el Chelsea Hotel de New York. Compagina su labor creativa con charlas y conferencias.

EN COLABORACIÓN CON EL ESPACIO GIC (GESTIÓN, IDEAS Y CULTURA) EN BARCELONA

Cindy and Nkuly, 2004, Serie Beauty is in the Eye of the Beholder

Nontsikelelo Veleko es una fotógrafa residente en Johannesburgo que explora la creatividad en la ropa y el estilo, y la confianza de la generación sudafricana “nacida libre” que se crió después del final del Apartheid. Jugando con el lenguaje de la fotografía de moda y las representaciones mediáticas de la cultura popular, las imágenes de Veleko cuestionan cómo se percibe y se asimila el estilo personal y la individualidad en la ciudad posmoderna africana.

Su serie de fotografías Beauty is in the Eye of the Beholder centra su atención en los jóvenes que construyen su identidad de forma creativa con ropas coloridas y extravagantes, fotografiados con el trasfondo de diferentes entornos urbanos.

“Mi trayecto en la fotografía nació de mi interés por explorar la identidad. En anteriores proyectos, me he ocupado de los prejuicios y los estereotipos reductores. Más que limitarme a documentar la moda y el estilo, me interesa nuestra lectura de la moda y cómo mis sujetos utilizan su ropa para construir, y a veces para deconstruir, sus apariencias de la identidad. Mis sujetos no suelen ser personas del montón. Muchos de ellos son personajes que corren algunos riesgos por la forma en la que se presentan al mundo y por ello suelen ser vulnerables dentro de sus dominios, que normalmente están en el filo de la sociedad”. (Nontsikelelo ‘Lolo’ Veleko)

Nontsikelelo Veleko

La mirada de Veleko supone una introspección en la ciudad tanto dentro como fuera de sus límites a través de los personajes que la habitan y que nos acercan a la experiencia misma que para ellos supone vivir en su urbe y muestran a través de sus gestos y de sus ropas su propia búsqueda de identidad en un paisaje sudafricano en constante evolución. Testigo de los cambios en el horizonte social de estos territorios, la fotógrafa Nontsikelelo Veleko muestra ante todo un compromiso político contra la discriminación y falta de representación de ciertas comunidades negras, en especial, los habitantes de los townships y los jóvenes.

Es precisamente este compromiso por mostrar otras caras de la realidad africana actual el que ha suscitado el interés de Casa África por la obra de Veleko. Más allá de su incuestionable valor artístico, sus fotografías no sólo captan las transformaciones sociales y culturales que se suceden en los suburbios de ciudades como Johannesburgo o Ciudad del Cabo, si no que además nos invitan a preguntarnos acerca de las motivaciones que se esconden tras estas transformaciones que sin duda nos desvelan muchas de las preocupaciones de las generaciones más jóvenes. Casa África quiere ser testigo de estas inquietudes y una plataforma desde la que proyectarlas. En este sentido, Casa África apuesta por la cultura como herramienta de desarrollo y factor de inclusión social. La obra de Lolo Veleko nos demuestra que el arte es un motor de transformación social que puede y de hecho nos hace reflexionar sobre las necesidades de los pueblos.

En esta ocasión y dado lo oportuno de los contenidos, Casa África quiso invitar a la artista a realizar obra específica en Canarias con la intención de aterrizar su discurso en el contexto local y de este modo vincular su obra con nuestra cotidianeidad y los escenarios de las islas. Así, algunas de las fotografías que aquí se presentan son fruto de una estancia en Las Palmas de Gran Canaria donde la artista además ofreció un taller de fotografía. Veleko ha trabajado con y ha retratado a africanos nacidos en Canarias, africanos residentes en Canarias y africanos de incipiente estancia en las islas. Este taller ha querido dar visibilidad a sus historias de vida, a su memoria, a su situación actual en las islas, etc., con la intención de desmontar clichés y contribuir a acortar la distancia bajo la que frecuentemente se analizan estas cuestiones.

La obra que Casa África presenta en Tenerife en el Centro de Arte la Recova; con la colaboración de Goodman Gallery Cape, en el marco de Fotonoviembre y de la mano de Isla forum, Tenerife en el mundo<, es una adaptación de la exposición Bienvenidos al Paraíso, una retrospectiva de Nontsikelelo Veleko, comisariada por Elvira Dyangani Ose y presentada en la sede de Casa África en 2010. Esta exposición quiere mostrar el trabajo de una de las creadoras africanas más refrescantes y atrevidas de la escena contemporánea actual.
Ricardo Martínez Vázquez, Director General de Casa África

Isla forum, Tenerife en el mundo

Es una estrategia puesta en marcha por el Cabildo de Tenerife, que se posiciona como un foro desde, hacia y para Tenerife, constituyéndose como una ventana al exterior desde donde interactuar, compartir, observar y reflexionar. Desde esa perspectiva, Isla forum desarrolla su estrategia, posicionando Tenerife en el exterior y promoviendo que el resto de países se proyecten en nuestra isla a través del fortalecimiento del conocimiento mutuo entre culturas y de la generación de sinergias – culturales, sociales, económicas y formativas-, impulsando la acción conjunta de todos los actores implicados.

Un punto de encuentro para la ciudadanía de Tenerife, Canarias, y el mundo; un espacio de diálogo, de generación de conciencias y valores, de colaboraciones y cooperación en todos los ámbitos y con todos los actores implicados, tanto públicos como privados. La cultura es un símbolo de identidad, además de una herramienta para el desarrollo, y motor de cambio social. Isla forum apuesta por las expresiones artísticas locales, regionales, nacionales e internacionales; por las multiculturales y las interculturales; por las que posibilitan el conocimiento y la transmisión de culturas y valores responsables y solidarios; por las personas que promueven nuestra cultura, pero también por la de otros continentes. Fotonoviembre 2011 permite que, a través de Isla forum puedan disfrutarse dos exposiciones.

“Acuérdate que mi vida es viento.
Que mis ojos ya no verán los bienes
de la tierra.”
(Job, cap. VII-7)

Sin título. Serie Románticos y Realistas, 2008-2010

Espacio Canarias. Creación y Cultura
C/Alcalá, 91 -(Metro Retiro)
Madrid
Tel: 917810642
Horario: L-S de 10:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 21:00 h.
Del 11 de noviembre al 17 de diciembre de 20011

Las apariencias engañan y no todo es lo que parece, son frases coloquiales que utilizamos habitualmente y que podrían perfectamente acotar el complejo territorio donde se mueve Juan Carlos Batista. Con el detalle y la laboriosidad del hacedor de pipas magrittianas reconstruye nuevamente aquellos espacios equívocos donde los mecanismos de la representación se llevan al límite. Y el resultado son estas potentes imágenes que descansan bajo este texto.

En estas “Arcadias para perdedores” se han tensado conceptualmente las cuerdas que anudaban sus anteriores trabajos, casi hasta el paroxismo, para lograr unas improbables imágenes de lo real. Inverosímiles representaciones de lo verosímil mediante una sutil deconstrucción en las que las fronteras entre lo verdadero y lo falso han terminado completamente desdibujadas. Espacios convertidos en “Paisajes para la consolación”, pero definitivamente sin consuelo.

Efectivamente nada es lo que parece. La naturaleza se ha convertido en un escenario inquietante y las referencias bucólicas y pastoriles se confunden en este escenario idílico con el fuego cruzado de la memoria: paisajes morales de un drama solapado. La armoniosa grandeza de las imágenes de los paisajistas norteamericanos compone el telón de fondo para una tragedia que no sólo es la de la cultura y la de la naturaleza. Lugares vulnerables y vulnerados convertidos ahora en espacios habitables por la memoria.

Donde antes había verdad ahora solo hay ficción. Donde antes había ironía ahora solo es sonrisa torcida.

Batista deja al descubierto la insoslayable manipulación que se produce en toda imagen, certifica al mismo tiempo la responsabilidad de la fotografía en la construcción del discurso estético, histórico y social; y se abisma en la crisis del género fotográfico como documento. El descrédito de la realidad no es sino el de sus imágenes poderosas a través de la retórica técnica. Ya no se convoca lo real sino sus reflejos y por eso puede permitirse mezclar a una miliciana del fotógrafo Juan Guzmán con la sublimidad de Thomas Cole; el escenario perfecto para la muerte sin contrastes que decía Barthes. Y por eso bien sabe que sólo a través de la especulación puede atravesar la realidad en el camino que lleva de la descripción ilustrativa al relato.

Detrás de las trincheras y las barricadas está el eco de la naturaleza y la invención del paisaje, artificio y cultura. El fotógrafo es el director de esta ceremonia de la confusión, el mago dueño del truco. Sólo él conoce la manera de convertir en natural la falsa representación: haciéndola evidente. Y esta vez, retorciendo aún más esa falsa sensación de naturalidad. El discurso elegiaco subraya la fractura moral. Los acontecimientos que se relatan en el escenario no son inocentes. Todas (no sólo éstas sino cualquiera, todas) las imágenes son políticas. Las representaciones artísticas no son las únicas susceptibles de ser manipuladas. La Verdad no existe ya, tampoco la Historia. No existe manera más eficaz de apelar a esa verdad que siendo panfletario. No es el caso de Juan Carlos Batista.

Por una grieta del paisaje se cuela una conquista, una evocación cansada de la memoria contaminada. Una deriva. Una posibilidad en medio de la manipulación. Barricadas y trincheras en medio del bosque, un intento momentáneo por alejarse del desenlace. La quiebra de la confianza en la promesa de felicidad. Y en el bucólico prado el cordero del banquete sacrificial. Lejos un eco: Se hicieron fuertes en el bosque. Por lo menos sucede en los oscuros bosques de Juan Carlos Batista.

Ángel Padrón, Santa Cruz de Tenerife, 02-06-2010

JUAN CARLOS BATISTA

Tegueste, Tenerife, 1960

De sus últimas exposiciones individuales destacamos La tierra de los prodigios, 2010 en la Abadía de los Silos, Tenerife; El animal inconsolable, 2007 en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; La mémoire inventée 1991-2005 en la galería de la Fnac de Nancy, Francia. En 2004 muestra la serie Made of sterner stuff 1997-2004 en la Glass Art Gallery Simone durante el festival de fotografía Mesiac Fotografie Bratislava (República de Eslovaquia).

La serie Patología de Guerras se exhibe por primera vez en Centro de Fotografía Isla de Tenerife en el 2002, se presenta al año siguiente en el CAAM, en la Sala San Antonio Abad de Las Palmas de Gran Canarias y viaja ese mismo año, comisariada por Antonio Zaya, a New York (Martinez Gallery). También en el 2003 la galería Artizar realiza una muestra individual de esculturas de maderas.

De su participación en las últimas exposiciones colectivas reseñamos: El museo fabulado, 2011 en el MNH de Santa Cruz de Tenerife; Batista Blancas Roca, 2011 en el Gabinete Literario de Las Palmas y en el Cabrera Pinto de La Laguna; FRESH DAS HOTEL, Berlín 2010; La colección 2: “la densidad del aire la levedad de la tierra” 2009-2010, TEA; Et in arcadia. Paraísos cercanos, 2010, TEA; La colección del TEA (Tenerife Espacios de las Artes), Tenerife (2008); 8.1. Distorsiones. Naderias y Relatos (2008) en Centro Atlántico de Arte moderno (CAAM); IV Bienal de Fotografía de Lanzarote, Convento de Santo Domingo, Lanzarote; FOTOSEPTIEMBRE-USA 2006 en Texas, también en este año la muestra de dibujos encuentro en el parque en Tenerife y Revivir Oscar Domínguez en la galería Artizar.

Ha expuesto también en Madrid (ARCO, Círculo de Bellas Artes, Real Jardín Botánico), Londres (Jeffrey Charles Gallery), Berlín, Portugal (Azores y Madeira), en Senegal (Bienal de Dakar 2004) y en Cuba.

EN COLABORACIÓN CON EL ESPACIO CANARIAS EN MADRID – GOBIERNO DE CANARIAS